鄭重推薦歐爾松這套蕭邦大全集

歐爾松(Garrick Ohlsson)的蕭邦作品全集已經入手。欣賞幾天之後，覺得歐爾松這套蕭邦大全集非常值得收藏。有下面幾點理由：

首先，價格實在。Hyperion的官網定價是80英鎊，換算成美金大約$130。Amazon目前的定價高達$246，顯然是把中價位的發行當作高價位來賣。進口產品有時候會出現在種現象，過陣子應該價格會降到$200以下才對。當然，如果你跟我一樣也想早點買一套來聽，可以考慮Amazon Market Place的賣家，$100左右的價格常常出現。

其次，製作精良。Hyperion的品質向來出色，即使是平價版，也不含糊。85頁精美銅版紙印製的解說頁，除了歐爾松本身的短文之外（請看我的翻譯），也針對蕭邦的所有作品做了完整且系統性的介紹。歌曲有歌詞。還有多幅鋼琴家的照片，包括蕭邦鋼琴大賽得獎的照片。有一點要注意的，就是銅版紙紙張厚，而且頁數多，所以不是用釘書針固定，而是用膠黏著書背，翻閱解說冊的時候，很容易就可能把黏膠的部份扯破，造成解體脫頁的現象，要特別小心。解說冊16張CD裝在一個環保硬質紙盒，不管是硬質紙盒，或是收藏個別CD的紙袋，紙質都很光滑平順。不會擔心多次拿進拿出之後，紙張會有刮傷CD表面的疑慮（那是Testament的Keilberth指環發行的最大敗筆）。每張CD的紙袋都有標明詳細的錄音資料，時間，地點，使用樂器（大多是Boesendorfer），還有在Arabesque原本的發行編號，便於收藏家比對。（相較之下，很多環保紙盒包裝的平價發行都是用相同的紙袋，例如Hungaroton的Annie Fisher那套貝多芬奏鳴曲全集，或是EMI發行的Yves Nat與Meyer的低價位全集。都只是用白色的一般紙袋裝著，收藏的價值大打折扣。）CD本身是在波蘭壓制。這點讓我有點意外，因為很少買到波蘭壓片的CD，而且Hyperion通常都是在英國本土壓片。不過，波蘭國寶蕭邦的大全集交給波蘭工廠壓制，倒也沒什麼可以抱怨的。至於Hyperion的音質與Arabesque的音質相比如何，我還得找機會來比對一下。



第三，錄音效果非常的好。1990年代的數位錄音。錄音品質與音色缺乏一致性，這點到也無可厚非，因為長達數年的錄音計畫，不同的地點。難免無法控制。像奏鳴曲那張得音色顯得明亮，而練習曲那張因為使用不同的鋼琴，而有不同的錄音效果。不過，整體而言都很優秀，而且最為人所稱道的就是把貝森朵夫的高貴琴音路得很傳神，特別是在夜曲那兩張。

第四，最初的Arabesque散張發行，現在已經很難一次買齊了。二手唱片每張動輒要價$40~$50，全部買起來，費時費力。除非是已經慢慢在收藏的資深樂迷，否則從Hyperion這套一次入手到位，省去很多麻煩，也省下不少銀兩。

第五，如先前的文章說過，這套蕭邦作品全集的錄音，可能是目前少數類似產品中，陣容最堅強的一套，不只歐爾松本人有蕭邦大賽冠軍的桂冠加持，他詮釋蕭邦的理念，我個人也很欣賞。他在唱片解說冊中的短文中寫道：

「從許多方面來看，蕭邦堪稱是浪漫派作曲家當中，最具有巴洛克味道的作曲家。」

另外，

「蕭邦音樂的本質堅若金剛，但是聽起來卻如同天籟一般，充滿即興感，甚至吹彈可破：這正是弔詭之處。表演者必須先掌握這兩個相互制衡的面向，才能進一步嚐試在兩者之間採取一種表演的策略。如果辦不到這點，他的演奏就有失蕭邦音樂的精髓。」

他也說，

「蕭邦就像是一株向光性的植物。每一片葉子的顏色與質的都不相同。他的音樂絕非死板一成不變。你必須要一次又一次地回來接近它，瞭解它，欣賞它。」

從這些隻字片語，可以看出他對蕭邦音樂的認識，是有一定的深度的，也讓我們在欣賞蕭邦音樂的時候，得到一些啟發。

總而言之，這套大全集非常值得收藏。如果可以在Amazon看到美金百元以下的deal，可千萬別錯過了。愛樂者也該慶幸，Arabesque沒有把版權賣給Brilliant公司，因為Hyperion真的非常用心再版這套當代鋼琴音樂的經典錄音。

我現在有個習慣，拿到這種大磚頭的CD，一定會立刻丟進電腦裡用轉成iTunes轉成電腦檔案，並不是因為我已經習慣用電腦聽音樂，而是因為想要確定有沒有缺片、重複（等於會少一張）的現象發生。片數越多，價格越低的所謂大全集，就愈容易發生類似的錯誤。常常買二手CD的時候，就會碰到類似的情況。

上次購買Takacs的貝多芬晚期四重奏(DECCA)，三張CD中，第三張的內容是跟第一張一模一樣，雖然印刷不同，甚至CD內緣的那些小編號也不同，但是裡頭就是一樣。製程上的錯誤。所以，光看，數編號，還是不夠的。大全集的磚頭通常買來不會每張都好好聽，更要避免這種情況發生，及早發現，及早處理，否則發現的太晚，就投訴無門了。對了，如果你在美國，想要購買那套貝多芬的二手CD，可要留意這個現象。Amazon上的新品就沒有這問題，DECCA似乎已發現也修正了。

[03/01/2009]

就是這個聲音！

當真理降臨人世間，當世界的一切苦難不義，當人類的罪孽與貪婪，都被輕輕放下，那會是甚麼樣的場景呢？通天的巴別塔倒塌的瞬間，兩顆核彈在日本爆炸的早晨，南亞海嘯來襲的早晨。在偉大的力量面前，人類的微邈，一次又一次得到印證。這個時刻，你腦筋浮現的，是號角齊鳴，黑幕拉起，恐懼襲身的馬勒「復活」交響曲？是大徹大悟之前的驚恐、膽寒、與羔羊般的順服嗎？當人與偉大首度進行面對面接觸，應該是甚麼樣的場景呢？

那天，當喇叭播放出妮可拉耶娃(Tatiana Nikolayeva)彈奏的巴哈聖詠前奏曲，Wachet Auf! Ruft uns die Stimme BWV. 140 （「儆醒，夜已飛逝」，或，「醒來吧，聲音在召喚」），那個瞬間，突然領悟到：就是這個聲音！如同睡夢中聽見微弱的聲音，當你張開雙眼，只見一片祥和之氣，曙光逐漸籠罩大地。是黑夜的結束，白天的開始。是放下過去，走出未來。是結束苦難，迎向光明。放下屠刀，立地成佛。也是擺脫人類的自尊，接納偉大造物者恩澤的時刻。



鋼琴從微弱的音量奏出主題，短暫的休止符，接著再奏一次主題。那個休止符真是有畫龍點睛的效果，非常切合標題「醒來吧」，那不是用鬧鐘或是洪水猛獸的大嗓門叫起床，那是非常微弱的聲音，包容的呼喊，只有已經快要甦醒的人才可以聽見。接著再演繹出主題的後半段，則像是醒來之後的回應那個聲音的呼喚。就是這個聲音！就像是在鄉間早晨渡假，睡到自然醒，聽見大自然的蟲鳴鳥叫而起床的那種境界。

在此之前，這首曲子已經聽過不知道多少遍，很多名家的版本都有所聞，但是，就只有尼可拉耶娃這個版本有讓人一聽就著迷的魔力。她營造出巨大的音響世界，低音的進行打了很穩固的底，讓你知道它的存在，但是又不搶了主題的風采，而兩個主題交疊在不同聲部的對位之間，餘音繚繞的水乳交融，非常的精妙。音色控制的非常好。稍慢的速度，在和緩步調中引領聽者進入一個情感昇華的境界。雖然她沒有特別凸顯主題的附點音符帶有的輕快愉悅感覺，但是卻是另外一種靜謐提昇的歡愉感。非常值得推薦的版本。



與偉大的接觸，不一定得是透過「哈利路亞」的方式。真正的偉大，也可以在最弱音中表現出來，在最單純的旋律中，自然浮現。就像貝多芬的第三十二號鋼琴奏鳴曲(Op. 111)的長大變奏曲中間，長大的神秘顫音即將結束之際，引領聽眾進入閉氣摒息的時刻，也正是高音與低音同時用最弱音奏出單音符的時刻！

尼可拉耶娃的演奏，出自上面這張由英國Olympia發行的三張一套CD，全部都是巴哈的音樂。不是很好找，在ebay上大概只出現過一兩次。但是因為音源來自Melodiya，所以比較容易透過在其他唱片品牌的再版買到。下面這張是單張發售的再版，有收錄這首曲子。



總覺得，巴哈比馬勒更接近上帝。

[02/12/2009]

買到就是賺到 part II

記得以前跟大家報告過買到就是賺到的經驗。想不到昨天又碰到了。這次是卡拉揚指揮的布魯克納交響曲全集Anton Bruckner: 9 Symphonien (SHM)，而且是日本2008年底才剛剛推出，大做文章的所謂SHM-CD，好像是製作CD的塑膠材料比較不同，但是還是可以在一般的cd player播放。我也搞不懂這種SHM (=super high material)到底有什麼音質的改善。也不是特別去找這種新玩意。想不到竟被我碰上好康了。



原本我要看的是左邊這套，傳統的CD版本，因為ebay有人在賣$62，所以到amazon來參考比價一下。想不到竟然發現右邊這套，更便宜，只要$46。全新，竟然比傳統的used cd還要便宜？！amazon定價要$280，就算在日本的HMV，也要賣一萬八千日幣之譜。於是，二話不說，先買個一套。很快就收到賣方的確認信，雖然貨尚未收到，但是應該是不會被取消了。

所謂食髓知味，所以就再去找看看別的，又看到另外一套，可能也是標錯價格的產品：



這是卡拉揚於1980年代最後一次錄製的貝多芬全集。也是SHM-CD的版本，賣$41.41，比amazon的定價$150便宜甚多，也比日本HMV的一萬日幣便宜。但是價差就沒有布魯克納那套來得誇張。考慮再三，仍然還沒有買。如果還沒有收藏這套的人，倒是可以考慮，因為CD版本買起來至少也要$50。

看來是美國人不太懂什麼叫做SHM，看看價格的差異很大就知道了，店家亂標價。有些一張要賣$40~$50，有些只賣$24。也許沒事到amazon逛逛，趁混亂撿一些便宜的，也不賴。真所謂，買到就是賺到。如果卡拉揚這套Richard Wagner: Der Ring des Nibelungen (SHM)指環全集也是$46，那可真是沒天理了。

後來要再去多買一套布魯克納，可惜已經沒有$46這種價位。

等收到貨，鑑賞之後，再來報告一下，這種玩意到底貴的有沒有道理。日本網頁說是限量發售，不知道葫蘆裡賣什麼藥。以後就買不到了嗎？

[01/30/2009]

再談李雲迪

中國鋼琴家李雲迪今年度在美國的巡迴演奏行程，幾天前終於到了紐約市的卡奈基音樂廳。樂評也很快就出現在紐約時報的報導(10/13/2008)。讓我感到訝異或是欣慰的是，寫作該篇樂評的樂評家ANTHONY TOMMASINI所傳達出來的感受，竟然跟我在幾個月前在本地聽到的感受非常的接近。



當然，每個音樂家每天的狀況都不一樣，在不同的場子，面對不同的觀眾，很自然的會有不同的表現。節目單上的曲目也不盡相同。但是，看了那篇樂評之後，我覺得還是有一定的比較價值。因為，兩場音樂會的曲目非常的接近。蕭邦的四首馬祖卡，平靜的行板與大波蘭舞曲，李斯特/舒曼的改編曲，下半場是展覽會之畫。

這這篇樂評也很難不落俗套，拿他跟郎朗來做對比，後者在舞台上的浪漫外放式表演風格，跟前者較為冷靜內鍊的風格，形成鮮明的對比。不過，作者說，怎麼好像當天晚上，向來比較冷靜的李雲迪也沾染了一點Langisms。當然，這句話是褒是貶，就看你怎麼解釋了。

提到蕭邦的四首馬祖卡(Op. 33)，樂評人說，他的演奏，「在華麗的外貌下，難掩躁動與滑稽的內涵」(his performances, for all their splendors, were restless and jerky)。這當然是很高竿的音樂評論，用字精確。他知道馬祖卡舞曲的困難，在於重拍應該打在哪個地方。但是，李雲迪的表現讓他覺得有急躁趕進度的樣子，重拍下的不太對。雖然我不懂馬祖卡舞曲的拍子問題，但是幾個月前我在聽的時候，也有這種類似的感覺，只不過我只能用「不太對味」的籠統字眼來表達。



另外，關於蕭邦的這首平靜的行板與大波蘭舞曲，有關波蘭舞曲的部份，樂評人寫：「絢麗的樂段與驚人的速度讓人血脈賁張，但是讓人喘不過氣的音樂顯然有些狂熱過頭了」(The polonaise, which festoons a jaunty dance tune with dazzling runs and passage work, was exciting but so breathless that it became hectic.)。我的感受也是相同的。偉大音樂家的音樂需要呼吸，你也聽得到呼吸，特別是蕭邦的音樂，之所以說他是鋼琴詩人，就是因為在樂句樂句之間，聲音與無聲之間，和聲之間，應該有一定的氣息的流動。

至於展覽會之畫，樂評人也沒有甚麼好印象。只看到快速的音符與淋厲的技巧，至於為什麼要這麼快，聲音這麼大，好像聽不出個所以然，只是為了要show技巧嘛？(But did he race through the dauntingly difficult “Marketplace at "Limoges" just to show off his nimble fingers and awesome repeated-chord technique? Final notes of certain phrases were swallowed up as he lurched to the next.)

這位樂評人對於李雲迪與小澤征爾的那張協奏曲讚譽有加，他最後表示，也許多演奏一些室內樂，跟一些比較強勢的指揮合作，對他會有幫助吧。



當然，紐約樂評人向來以尖酸刻薄著稱，看走眼說錯話的事情也不是沒發生過，聽聽就好。只不過，讀到一篇可以讓我產生共鳴的樂評，還是讓人欣慰。

舊文：李雲迪：sensation or success

http://richterrecorded.blogspot.com/2008/03/sensation-or-success.html

原文：New York Times (10/13/2008)。

http://www.nytimes.com/2008/10/13/arts/music/13yund.html

[10/17/2008]

『披著獅皮的羊』

家裏的老婆大人知道我前幾天在這裡發出獅子怒吼，還損我，『少來了，喜歡古典音樂的人都很溫和的，跟小朋友學寫怒吼文，簡直像披著獅皮的羊，咩咩叫』。

她是對的。不過只對了一半。其實我打從一開始就看的很開，也不是真的生氣。網路上的東西，一旦放上去，就已經脫離了自己的管轄權了。快速流傳複製，就算讀者或是轉載者想要找出原作者，都幾乎是不可能的事情了。見怪不怪。而且，能夠讓更多愛樂者可以欣賞到阿巴多精闢的分析貝多芬的交響曲，總是一件好事。

但是，就算是溫和的羊只能發出微弱的咩咩叫，只要站在對的這方，只要獲得共鳴，也能夠傳得夠遠，夠久。

繼續找巴哈爺爺玩耍吧。

[08/04/2008]

人與琴的對談

最近在想一個問題。音樂本身與樂器之間的關係，與音樂家在詮釋音樂、表現音樂的過程，究竟是甚麼樣的互動關係？我們
知道，有些作曲家寫的曲子可以他自己改編成各種不同的樂器，甚至樂團。巴哈大概是這種改編曲風的佼佼者，沒事就把清唱劇改成獨奏曲，把小提琴協奏曲改成鋼
琴協奏曲。這種時候，音樂，或者說，音符與旋律，究竟與樂器的關係有多密切？

音樂是抽象無形的。在五線譜上，它們本身是一堆沒有意義豆芽菜，它們是一種紀錄的系統，記得是作曲家
腦筋裡頭的音樂。可惜我們沒有一種儀器，可以直接把作曲家腦中的音樂以聲波的形式記錄下來。所以只能寫在樂譜上，標誌出音符的相對與絕對位置，長短強弱，
速度，甚至表情記號等等。這些努力都是希望可以再現音樂家腦海中的那種意象。

看音樂電影的時候，最有趣的部份，或許也是最引人入勝的部份，就是作曲家在創作的過程。我們看到音樂
家們手上拿著一份剛出爐的手稿之後，耳邊就傳來電影配樂的那段音樂，如果每個人都可以這樣子，看到譜就能夠享受音樂，該是一件多麼美妙的事情！就像電影阿
瑪迪斯中，躺在病床上的莫札特很迅速地交代助理（電影裡是死對頭Salieri）要如何完成最後的安魂曲。每當他想到甚麼樣的音符，電影就奏出那段音樂。
音樂變成可以用心神體會的，而不需要用聽的。要iPod幹嘛？抱著一疊樂譜，甚至小小的筆記本，就可以『聽』到各種音樂了。

同樣的過程也可以發生在作曲家與音樂之間。如果有這樣一種機器，可以把作曲家腦袋瓜裡想到的音樂，完
完整整忠實的擷取出來，那作曲似乎就變成一種輕鬆愉快的過程。不用一個音符一個音符拿筆紀錄在五線譜上，也不用一遍又一遍的謄寫。就像上帝一樣，這裡要有
男高音哼唱神聖的旋律，同時小喇叭要奏出幽谷空鳴般的感覺，彷彿福音繚繞在整個地面，霎那間，音樂就浮現在腦海裡，也紀錄在這個特殊的機器中。

可惜的是，音樂創作與再製的過程，卻完全不是這麼一回事。我們必須從再現
(representation)的觀點來看。當作曲家採用西方這種記譜方式的時候，可能只是把這個譜當成提醒自己曾經寫過這樣的東西。就像我們有時突然
寫作有了靈感，希望趕快寫下來，以免過陣子就會忘記一樣。所以，對某些時期的樂譜而言，樂譜上得記載能否忠實地再現心目中的音樂，並不是很重要。因為對他
而言，音樂來自他本身，這些豆芽菜就像是提醒他自己要這樣子彈奏的reminder。慢慢的，記譜能否忠實且充分傳達作曲家的理念，似乎變得重要。表情記
號，速度記號已經不夠用，需要用說明的方式，彷彿在寫文章一樣使用形容詞修飾。

當其他音樂家，或是樂手，或是演奏家拿到這些樂譜時，他們能不能忠實地再現作曲家在創作的時候腦筋裡
出現的那個音樂呢？或許由於隔了一層紗（或是牆）慢慢的，音樂家的詮釋的概念就進來了。既然作曲家已經作古，我們已經無從確知作曲家的原始意圖，剩下來可
能就是想辦法透過樂譜上的豆芽菜來試著讀出音樂的內容。

不知道我在胡說八道些甚麼。趕快停筆吧。

[07/28/2008]

巴哈的二聲部創意曲第八號

練琴應該超過兩個月了。今天來報告一下進度。巴哈的平均律第一卷C大調前奏曲，現在已經ok了，那天給老師驗收過了。貝多芬的給愛麗絲，大概有百分之八十
了，只剩下B段的左手沒有跟右手搭配起來，雖然只有幾個小節，不過我想暫時擱著，以後再把剩下的補起來。最近專攻的是巴哈的二聲部創意曲第八號。那時候本
來要練第一號，後來再老師大力推薦之下，開始練這首。可真是讓我吃足了苦頭。



比較容易的地方就是這首曲子真的很好聽。開始練習之前，把Andras
Schiff在DECCA的版本找出來聽，一開始輕快的段奏上升音型，左右兩手交替奏出八分音符的主題，也同時交替奏出十六分音符的伴奏。這首就像給愛麗
絲一樣，就算彈得很爛，也超耐聽的。Schiff彈得實在太快了一點，八分音符主題很輕巧，但是覺得力道不夠，太輕快的緣故，所以一些細節聽不太出來。他
又喜歡自己加一些小小的裝飾音，好聽，但是對於對照著譜豆芽菜一個個看的我來說，可是幫助不太大。







所以後來又從GG的大全集中把顧爾德給請出來。他的版本就很有幫助了。音粒清晰有力，左右手的每個音符都可以聽出來。而且那種力道與動能比較強。放在車上repeat，一分鐘就可以彈完，每天開至少一小時的車，算是算應該有聽了上千遍了吧。



可是阿，練琴這東西難就難在，就算你聽了上萬遍，不會也是不會。腦筋裡的音樂就是不能立即直接忠實的轉移到手指的運動，轉移到鍵盤發出的聲音。就算我要複
製腦筋裡頭的音樂，我的雙手始終像個苯拙的機器人，不聽主人的使喚與控制。
原來，彈琴跟製造出那個腦筋裡的聲音，是不一樣的。首先，必須兩手分開練，這首曲子的兩聲部又特別適合左右分開練，先練右手，抓住感覺之後，再練左手。左
手比較難，尤其是像我這種初學者，手指頭很容易打結。中途一個小障礙是指法的問題，譜上沒有標記，只好自己摸索發揮創意，找到最自然的方式。後來老師總算
即使現身，提供指法，解決了不小的技術難題。真正困難的是左右手要合起來的時候。已經放慢速度大約一半，還是不容易，要反覆不斷的練習同樣的段落才行。




什麼時候才會發明那種樂音隨意轉的裝備呢？



[07/28/2008]

白色巴哈

巴哈的平均律第一卷C大調前奏曲，就像無伴奏大提琴組曲的第一號前奏曲一樣，從頭到尾都是一個接著一個的分散和弦，以類似的形式無止盡反覆，音符的流動，從低音兩個音符開始，到高音徘徊，如行雲流水般自然。



雖然樂曲的形式都是相同，但是巴哈卻賦予它相當豐富的和聲與表情變化。明亮的C大調和弦之後，第三個小節，就衝上樂曲的最高音符。之後奏降至較低的音域，
有時蓄勢待發，有時低沉呻吟，有時高亢，有時內斂，當幾經波折，醞釀多時的C大調和弦再度出現時，樂曲驟然給人一種舒緩放鬆的感覺。直到最後輕柔的尾奏。



我們可以說，這首曲子相當寫實的描繪自然的景緻，如秋日煦煦的涼風，或是冬天陽光的暖活，或是潺潺流水般不停的前進。



又像是欣賞舞台上的獨舞者，雖然只有一個人孤零零佔據著整個舞台，可是肢體動作與不同的表情，散發出不同的情緒感受，這些不同的表情動作，卻又都維繫在同一個律動的身體上。（有人用這首曲子改編成芭雷舞嗎？）這個時候，演奏家就是那位舞者。






鋼琴家Andrei Gavrilov在一張DVD裡頭說，這首前奏曲就像是白色，全部都是白色，白的讓人抓狂的白。手指頭幾乎都是全部都按在白鍵上。



白，說得貼切，但是意思卻可能不同。白，可能是說單調，無趣，乏味，一成不變。白，也可能是一種萬物創生之前的和諧整體。所有顏色混在一起，不是黑色，是白色。



短短一頁的鋼琴譜，巴哈彷彿帶領我們走過音樂色彩世界的一個大圓。真要自己花時間去不斷練習揣摩之後，才有這種體會。



[07/11/2008]

你今天巴哈了嗎？

開始練琴以來，我可能可以算是最認真的自學學生了（雖然不一定是最老的）。每天早上起床之後，出門上班之前，只要有
時間，就會練習個大約一個小時。晚上吃過晚飯，肚子還沒消化，碗還沒洗，又坐下來彈個一個小時。有時候正好在家時間比較多，可能是隨時走過鍵盤都會手癢坐
下來，手指運動一下。

現在專攻巴哈的曲子。平均律第一卷的C大調前奏曲，現在已經可以順暢地走完，偶爾可以加上一點點自己的『詮釋』，試試加快速度一點點，放慢一點速
度，試試在某些段落加點斷奏，試試如何替行雲流水般的樂曲加上一些表情。原來彈音樂可以有這麼多種不同的玩法。有趣的是，彈出來的音色好壞，或是中間偶爾
穿插的錯音或是停頓，並部會影響腦袋瓜裡已經設定好的音樂的流動感。彷彿就像是GPS設定好目的之後，中間偶爾的加快放慢，路上坑坑洞洞，都不會影響的自
動駕駛模式。滿腦子沉浸在音樂中。在我的腦袋裡，手指隨著意念律動，表現我要表現的感覺與音色。

不過，重點是，真正彈出來的音樂卻不是那一回事。可能正沉醉在優雅的段落，突然一個C被彈成B，然後又彈成C，然後又不確定是不是C，多按了一兩
下，然後繼續前進。對練琴的人而言，這段小插曲根本不會影響腦子裡完美的音樂。對必須忍受我狂練琴的聽眾來說，可真是個折磨阿。禮拜天早上八點，想賴個
床，就會被巴哈給叫醒。下午三點，想睡午覺，又見巴哈爺爺跌跌撞撞來打招呼。晚上九點，想好好看個電視，怎知那個叫做巴哈的又來了。

所以阿，當我幾周前開始練琴的時候，家裏人見面總是會問，你今天巴哈了嗎？現在，一樣問，你今天巴哈了嗎？心情大概很不相同吧。

[06/24/2008]

怪哉！溫室效應vs.歌劇 史卡拉歌劇院的狂想

這真是今天看到最怪異的新聞了。根據外電報導，米蘭的史卡拉歌劇院今天表示，將根據美國前副總統高爾(Al
Gore)的暢銷紀錄影片「不願面對的真相」(An Inconvenient
Truth)為故事大綱，製作一齣同名的歌劇，接受委託的是義大利作曲家Giorgio
Battistelli。預定在2011年與觀眾見面。作曲家Battistelli目前擔任維若納劇場(Arena in Verona)的藝術總監。

怪就怪在，「不願面對的真相」講的是全球暖化的現象，並且透過電腦模擬的方式提醒世人注意到這個嚴重的問題。這種「故事」怎樣改編成歌劇呢？會是喜劇？悲劇？鬧劇？誰來演唱逐漸升高的海洋？誰來演唱地表不斷上升的平均溫度？

話說回來，可有人知道，有哪齣歌劇是根據紀錄片故事而寫作的呢？

新聞來源：AP。

[05/29/2008]

開始彈琴了

學會彈鋼琴，一直是我的夢想。來美國留學之後，始終想著要買一個keyboard來玩，但是價錢一直是個考量。一方
面想要買完整88鍵的，而且觸鍵感覺比較接近真正的鋼琴。但是這種價格至少都要四百左右，等於是數位鋼琴的等級了。如果少一點買76鍵，也還是要兩百以
上。怎樣想都花不下手。便宜的可能99美金可以買到，但是只有少的可憐的61鍵，而且指頭按下去的感覺是根本不能跟鋼琴相比的。所以會擔心這樣子的學習成
效會不會造成長期的不良效果，以後買得起鋼琴之後，彈奏的壞習慣就改不掉了。所以，就這樣，在理想與現實之間，擺蕩猶豫了很多年。

不過前陣子我想通了。鍵盤88或是61，影響並不會太大。特別是對初學者來說，左右兩邊會碰到的機會應該是很少。因此而沒有跨出第一步，有點因咽廢
食的愚蠢。再說，88鍵的鋼琴也是現在的標準，很久以前，數目也沒有那麼多，很多大鍵琴大概也只有五六十鍵吧，並不影響音樂的本質阿。於是，在省錢的最大
考量下，決定買一台價格在100以下的keyboard。正巧看到一個85折的促銷活動，就給他盧下去了。買的是最陽春的YAMAHA，音色尚可，但是按
鍵的力量並不會反映在播放出來的音量，隨便按，聲音音量都頗為一致。這樣就不能作出各種音樂強弱的表情了。「還不會走就想飛！」您大概也這麼想吧。的確，
先把基本功夫練一練再說吧。

手邊沒有任何琴譜，沒有老師。只有一位幼年在家裡學堂學過兩年就荒廢的老婆大人可以指導簡單的指法。怎麼學？沒關係，直接進攻巴哈。這可不是唬人
的。網路上找來巴哈的平均律PDF檔之後，把第一卷第一首C大調的前奏曲，擺在譜架上，就開始do-mi-so-do-mi-so-do-so的摸動了起
來。想當初幼年的李希特也是直接就把蕭邦的夜曲拿來苦練，我拿巴哈來練，好像更高竿一點。

就這樣，每天大概練個一小時。從買到yamaha到今天，大概已經三個禮拜了吧。我已經可以把這首前奏曲從頭到尾走過一遍呢。得意之餘，已經開始想下一首要學哪一首前奏曲。

除了巴哈，另外也練了一首洋娃娃之夢(Dolly’s Dream)，因為家裡那口子一拿到yamaha，坐下來就開始彈這首，旋律美麗，表情多變豐富的可愛曲子。據說這是她苦練兩年的成果。從網路上找到了譜，我也開始練習這首。大概在一個星期就可以練起來了。

當然，我說的練起來，都只是自己感覺的，旁人聽起來還是支離破碎慘不忍睹，時常會中斷，不過，大家都說學琴自娛娛人，在娛人之前，能夠自娛，自得其樂，也是不錯的。

[05/29/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得(下)

『崔斯坦與依索德』(Tristan und
Isolde)的故事其實是很簡單的。主要的角色有兩位，崔斯坦是傳奇故事中典型的英雄角色，效忠英明的國王，在戰場上克敵制勝，將依索德當作戰利品要帶
回去給國王當老婆。依索德是傳奇故事中的典型角色，美貌與品德兼備，又有智慧。兩個人又個有一個小跟班，崔斯坦有位忠心的部屬，而依索德有位盡職的女僕。
依索德的愛人在抵禦崔斯坦侵略的防衛戰中敗北，戰死沙場。兩位典型的英雄與美女的關係，卻是由很不尋常的因緣際會所糾纏著。在戰役中，崔斯坦身受重傷，被
敵人帶到依索德那裡，雖然崔斯坦因為膽怯而刻意隱瞞姓名，自稱坦崔斯(Tantris)，但是依索德卻非常確定他就是殺死愛人的大敵，決心要殺害他。但
是，就當她舉起利刃要朝重傷的崔斯坦胸口刺下時，坦斯崔張開眼睛看著她，竟然讓她下不了手，手上的利刃不自主的鬆落。而且還用家傳的神效藥將他治好傷勢。
為了報答，坦斯崔宣示要永遠聽候她的使喚。可是崔斯坦最後還是把她擄走，要帶回去獻給國王。第一幕的故事就在英雄返鄉的船上開始的。




依索德似乎對崔斯坦忘恩負義感到憤怒，認為崔斯坦放縱手下挖苦她，是非常的不尊重，更相信自己抓到崔斯坦的把柄，認為崔斯坦沒種，不敢公開招認他的小命是
依索德手下留情賞給他的，所以一直刻意跟她保持距離。於是依索德決定使用祖傳的強效毒藥，要殺死崔斯坦。但是她的僕人不贊成這個技倆，極力反對這種激烈的
手段，不過，隨著大船逐漸接近目的地，她也屈服了。於是將崔斯坦騙到船艙中，編了謊言要崔斯坦喝下所謂『和解之酒』。那是什麼樣的東西，崔斯坦似乎也心知
肚明，他知道她的復仇心，也知道他的生命已經屬於她，於是坦蕩蕩地面對他的命運(fate)，拿起那杯毒酒要喝到肚子裡，接受他的命運。豈知毒酒喝到一
半，依索德竟然也搶過來一乾而竟。難道兩人在第一幕就將雙雙暴斃嘛？那後面兩幕要演些什麼？只見原本灰色系的舞臺燈光突然慢慢轉變成深紅色，或許代表著死
亡的血紅色，不過，觀眾們很快就知道，那是代表著濃烈愛情的紅。只見兩人的抓狂似地摟來摟去，連國王駕臨都難分難捨。原來他們喝下去的不是毒藥，而是春
藥。一場悲劇就此鑄成。




第二幕只是悲劇的初階段。雖然崔斯坦還是將依索德獻給國王當老婆，春藥的力量還是將兩個人緊緊拉扯在一起。有天，國王戴著眾臣夜晚出遊打獵，只留下依索德
在家。她又點起信號，召喚崔斯坦前來。兩人就這樣唱著一段又一段的談情說愛華格納顯然野心很大，要在這個段落塞進去愛情世界各種或發生的七情六慾，渴望天
長地久，又擔心無法海枯石爛。渴望夜晚的美，詛咒白晝所代表的光明與假象。有激情，有坦白。有憤怒，有包容。不過，透過字幕機一句一句欣賞歌詞，我發現這
段的歌詞其實挺搞笑的，一點都不比瓊瑤的台詞遜色。有句說，沒有依索德的愛，崔斯坦就不存在。但是，因為崔斯坦與依索德是分不開的，只要有崔斯坦對依索德
的愛不死，崔斯坦就不會死。真不愧是是德國人，喜歡搞思想。突然之間，一個象徵國王權威的巨塔緩緩地從地面升起，代表著在旁邊窺視已久的國王終於按耐不住
獻身，兩人的不倫之戀就此曝光。原來所謂的夜間狩獵，根本就是安排好的陷阱。傷心欲絕的國王緩緩動人地訴說崔斯坦的身世，他和過世的妻子無後，將崔斯坦視
如己出，所以不願意續弦延續香火。只不過因為崔斯坦堅持要把這個優質的異國美女獻給他當妃子，他才勉為其難同意。讓國王心痛的不是妻子的背叛，而是崔斯坦
的背叛。嚇，這下子，原本看似忠堅的不倫之戀突然之間有了大轉折，這樣的愛情豈是我們所能夠認同的？崔斯坦究竟是花心蘿蔔還是玩弄國王的惡棍？崔斯坦不願
意辯解，在一陣混戰中，再度坦蕩地接受他的命運，挨了另外一位將軍的一刀。倒地不起。




當然，崔斯坦的厄運還沒結束。第三幕的場景設定在他的故鄉，遙遠的一個小島上。自從他接受將軍那一刀之後，就長時間昏迷不醒，不知道經過的多久的時間。對
他死忠的部屬將他帶回他的故鄉，希望他能夠在熟悉的環境中甦醒，後來更請人到王宮向依索德報告他的訊息，希望她能夠過來。就在依索德的船即將抵達的前夕，
崔斯坦醒來了。回首過去的種種，他似乎情緒上經歷著極大的落差。他說他自出生就背負著死亡的厄運。他一生下來，父親就聽見可怕的聲音，然後就過世了。那是
不祥的預兆。而他現在也聽到那種聲音了。他回想當時是心甘情願要喝下依索德的毒酒，一死百了，豈知竟然要遭受到更大更嚴重的挫折，愛一個不能愛的人，不該
愛的人，甚至是敵人。他就像是生不如死。他迫不及待希望依索德可以趕快來到他身邊，已經出現近似幻覺的的狀態了。等到他終於盼到她的出現，而且也國王也終
於了解到崔斯坦為什麼後來會背叛他的苦衷之後，決定原諒他，正當一切終將雨過天青，有個圓滿結局的時候，他驟然倒地身亡。命運再一次作弄他。抵達他身邊的
依索德見狀，傷痛欲絕，也唱出全劇最著名的『愛之死』。




如前所述，這個系列的『崔斯坦』自從開演以來，兩位台柱就紛紛掛病號，未曾同台共演過。幸運的是，Ben
Heppner終於體力恢復，得以披掛上陣親自演出『崔斯坦』這個角色。他唱的真是美極了。聲音雄渾高亢，充滿英雄氣魄，即使當第三幕崔斯坦經歷從天堂到
地獄一般的劇烈情感變化過程中，Heppner的歌聲也相當恰如其份地傳達出多種情緒：有感慨(緬懷自己生來註定的悲慘命運)，有怨歎(自己為什麼求生不
得，求死不能)，有激昂的愛(受到春藥的影響之後，對於依索德的愛)，有幻覺(他一直以為他看到了依索德所搭乘的船)，有悲傷(他以為那艘船在驚濤駭浪中
撞到巨石沈沒)，有狂喜(他看到原來那艘船並沒有沈沒)，有希望(希望可以跟依索德共度幸福時光)。情緒範圍如此廣泛的角色，對於一般的歌手來說，是個艱
難的考驗，但是對Heppner來說，卻是一個發揮演唱功夫與天份的絕佳曲目。光是聽他現場的演唱，就絕對值得票價，更值得鐵腿一整晚了。




當晚演唱依索德的女高音並非原本預定的D. Voigt，而是另外一位。雖然是替補上陣，她的唱功當然還是有一定的水準。最後一首『愛之死』或許可以在多一些表情更突出的詮釋風格，即使經過五個小時的演唱，宏亮而堅定的音色絲毫沒有任何中氣不足的問題，讓人驚豔。




指揮家李汶(James
Levine)的指揮功力不在話下。個子不高的李汶，頂著雨傘狀的爆炸頭髮型，站在指揮台上，相當醒目。他與大都會歌劇院團已經合作相當長的時間，可以隨
心所欲讓樂團發出想要的力道與音色，令人激賞。他的指揮動作算是比較大的，就算他所站的位置是略低於觀眾席，但是不時可以看到他的雙手高舉，要樂團跟上表
情與拍子。李汶似乎深得紐約客的喜愛。每次他出場站上指揮台，或是最後走到舞臺上與歌手們一同謝幕致意，觀眾給她的掌聲都是最多的。




大都會歌劇院明年春天又將上演華格納的『指環』全曲，預定演出三個回合。這也將是某位製作人所製作的指環的最後一次公演。如果明年還有機會，還真想去看一看。看全本四齣歌劇，似乎是不切實際的高成本。如果只能夠看一場，看倌們會挑哪一場呢？不用說，我會想看『女武神』。




第一次現場欣賞華格納，真的很棒，powerful，真是鐵了腿也值得。不過下次如果還有機會，我們應該不會再鐵齒了，在開演之際就盯著觀眾席找空位，然後趁中場休息之際，溜到空位上去好好坐下來欣賞。




[04/17/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得(中)

決定這個星期要來紐約市的行程之後，華格納的這場『崔斯坦與依索德』就被規畫為最想看的表演。出發前三個禮拜，在網路上查
票價，哇，幾乎已經是全部售完了，只剩230元，還有80元的票價，但是80元的票不能看到舞臺全景，而且，雖然已經是接近最低價了，還是有點貴。出發前
兩三天，網路上的票都已經售完。所以我們決定改用其他方式買便宜的票。打聽結果，好像有兩種方式，第一種是在開演當天上午十點打電話到售票專線，買站票，
每張是20元，還有加上電話購票的手續費；第二種方式是開演前兩個小時親自到窗口去買rush
tickets，票價也是大約15元左右，有座位，而且可能位置比較好，但是數量有限。如果時間充裕，有不一定非看不可，當然排rush
tickets是最合算的方式。但是我們考慮到，難得進城，難得碰上華格納的歌劇製作，能夠親耳聽見，比較重要。因為這次熱門場子，rush
tickets可能座位有限，如果買不到，就沒有機會了。所以我們決定買站票。打電話進去，其實還挺方便的，給他們名字跟信用卡就可以了。開演之前去窗口
拿票即可。這個決定還算不錯，不過有一點失算了：我忘了『崔斯坦』要四張CD才裝得下！也就是，至少要站四個小時。就這樣，『鐵腿』成了不可避免的後果。




大都會歌劇院座落於林肯中心(Lincoln
Center)，大約在Broadway跟西62與65街之間。林肯中心主要包括三座建築主體。廣場右手邊是費雪廳(Avery Fisher
Hall)，紐約愛樂的表演場地。廣場左手邊是紐約市立歌劇院(The City Opera)。而位於兩者之間的就是大都會歌劇院(The Met
Opera)。以前在影片或是照片中，總是可以看到林肯中心的廣場上的噴泉，在金黃色燈光的投射之下，與背景的大都會歌劇院的玻璃落地窗相互輝映。不算氣
派，但是自有其特有的氣質。可惜的是，廣場上的噴泉正在施工，工程圍欄把佔據了整個廣場的一半，為了照相，還得刻意避開有礙觀瞻的圍欄。




歌劇預定七點鐘開場，我們大約六點左右抵達，只見入口處已經是人山人海。更特別的是，今天出席的觀眾當中，隨處可見盛裝打扮的紳士與貴婦，貂皮大衣爭奇鬥
豔。身著時髦的年輕辣妹反到少許多。比起前一天卡奈基的景象更是高檔一些。觀眾群的年紀也偏高。在演出當中，我們從站票的位置往前看，幾乎看到的都是背光
之下，白髮蒼蒼，綻放著銀色亮光的一顆一顆頭。那些座位肯定都是200美金以上，也難怪了，只有年紀稍長的人才負擔得起。




不知道什麼原因，進場時並沒有查看包包的安檢。也沒有人管我們掛在脖子上的照像機。不過裡頭自然是禁止攝影的，很可惜。收票之後，有一個非常寬敞的圓弧形
的樓梯，上二樓。到了二樓之後，又往上下兩個方向，往上到包廂，往下到主要的Orchestra座位樓層。我們站票的位置還不錯，在Orchestra那
一層，面對舞臺的右後方，前排。雖然是站票，但是還是有劃座位號碼的，總共有三排，每一排都有一個大約一百二十公分高，類似吧台的小平台，上面有號碼，需
要對號入『站』。站位之間的寬度並不大，大約70公分左右而已。如果是體型比較壯碩的大個，可能會變得很擠，並不舒服。小平台的作用除了讓觀眾可以把手趴
在上面，比較舒服之外，也是要放置個人字幕機。這種個人字幕機只是一排簡單的LED顯示版，讓觀眾可以聽得懂舞臺上的歌手在唱些什麼，如果不需要字幕，怕
干擾分心，可以選擇關掉，而且可以選擇英語，德語，還有義大利語(忘了是不是有法語)。多虧有這個字幕機，所以我們才能夠比較準確且充分地了解對話的內容
與故事的情節。來欣賞之前，我沒有時間先做功課，把『崔斯坦』的故事好好摸清楚，或是多聽一聽貝姆的版本。最熟悉的或許只有一開始的前奏曲與最後面的愛之
死，除此之外，整齣歌劇對我來說還是相當的陌生。




幸運的是，我們的站位在前排，至少可以不用擔心前面跑出一個高個子出來擋住視線。從站位看出去，可以看到舞臺的百分之九十吧，除了上方的視野被二樓包廂切
掉之外，並有太大的影響。整場看下來，大多數的舞臺場景並沒有用到太高的空間，所以影響不大。小小的遺憾是，出門的時候太趕了，忘了把望遠鏡帶在身上。只
能憑著肉眼盯著舞臺上，看不見歌手們的表情與長相。開場時，三排的站票座位站了滿滿的人，一點也不意外。




站著看表演，當然是很平常的，在台灣就常常看廟會的野台秀，或是在路邊看熱鬧，紐約的街頭表演也是幾乎無所不在。但是，花錢買票站著欣賞音樂，還是頭一
遭。當頂著招牌爆炸頭的可愛的指揮家李汶走上舞臺，樂音響起時，馬上就被吸引進去了。不過阿，兩隻腳還是得不時換腿支持身體的重量，有時右腳，有時左腳，
有時兩隻腳。身體的姿勢也是不斷變化，有時挺直腰桿，伸懶腰，有時趴在小平台，把頭撐在兩隻手上，像貢桌上的豬公，有時用單手頂著腦袋瓜。『崔斯坦』總共
有三幕，也就是說，中間會有兩次休息時間。休息時間一到，我們就跑出去地下室上廁所，廁所外頭有一張長沙發，二話不說就先坐下來。好好休息一下。那些來排
隊上廁所的老先生老太太看到我們年輕人攤在沙發上不起來，可能覺得很怪吧，殊不知，他們是因為坐了太久，需要起來走動走動，我們可是因為站太久，需要坐下
來休息呢。




不過有一個現象是，到了第二幕，站位席上的觀眾人數似乎少了一半。當時以為那些人是不是沒『凍頭』不耐站，已經撤退了。但了第三幕開始之前，我們那一區好
像只剩下四個人堅守崗位。這可就怪了。觀察一下，原來很多人都溜到沒人坐的座位上去了。這可真是聰明。那些一定是經驗老到的紐約客，一開演之後就盯著座位
看，找那些空位子，等到休息的時候就溜過去。花站票坐座位，當然是非常划算了。可惜當我們發現可以幹這種事的時候，第三幕已經開演了，不太方便亂跑，影響
其他人。而且，也是一個念頭，想要看看自己一身老骨頭是不是還耐得住，整場站下來，也算是一項可以拿出來說嘴的難得體驗吧。




從七點鐘準時開場，到依索德唱完最後那首感人的『愛之死』，已經超過了半夜十二點了。五個小時下來，兩條腿已經相當疲憊。不過，當下那個時刻，身體上的疲憊卻不敵精神上的滿足。要直到第二天才逐漸感受到『鐵腿』的後果。




[04/16/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得 (上)

不管在哪裡，只要有華格納(Richard
Wagner)的歌劇上檔，都必然會吸引媒體的目光，更是愛樂人士之間爭相走告的熱門話題，一票難求的現象更是稀鬆平常。今年春天，紐約市大都會歌劇院
(The Met Opera)決定將十幾年前製作的『崔斯坦與依索德』(Tristan und
Isolde)重新搬上舞臺時，幾個場次的好門票(當然是價格便宜的)早就已經搶購一空。




這次演出之所以受到矚目的最大原因，自然就是號稱網羅了當代演唱華格納歌劇的兩大超級巨星，主唱Tristan的男高音Ben
Heppner以及主唱Isolde的『重量級』女高音Deborah
Voigt。兩位歌手之前就已經多次在紐約不同場合分別扮演各自的角色，但是兩人連袂登台搭檔演出，卻肯定是首度，肯定是叫好又叫座的大製作。加上指揮家
李汶(James Levine)的卓越指揮功力，使得這次的Tristan廣受各方期待。




不幸的是，華格納的這齣歌劇自從百年前首演之夜開始，被詛咒的各種流言始終不斷，因為演出的意外事件頻傳。世界首演時，飾演Tristan的男高音在演唱
會結束之後，當晚就不治死亡。多年前在紐約上演時，也發生從舞臺佈景上摔落的事件。這次大都會歌劇院的製作，自然也『難以倖免』，更糟糕的是，受到波及的
竟然是兩位主角。Heppner與Voigt輪流掛病號，總共演出九場，可是前七場，兩人始終都沒有同時登台過，都是由副手來登場。更慘的是，接替
Voigt的副手因為承受不了演唱Isolde的負擔，也掛了病號，只能再找副手的副手來接替演出。歌手在舞臺上走位時，也發生過跌倒的事情。直到最後第
二場(3/25)，Heppner終於把病養好，首度登場演唱Tristan的角色。而最後一場(3/28)，Voigt竟然也適時歸隊。兩位巨星終於同
台演出，替這次的製作畫下一個不圓滿但是讓人滿意的句點。紐約時報說，兩人同台的精湛演出讓愛樂者漫長的等待值回票價。




我們在紐約聽到的第二場音樂會，就是三月二十五日Heppner重返舞臺的那一場。那真是一次在聽覺上，視覺上，精神上，與體能上的『重量級』享受。




[待續]




[04/13/2008]

波蘭籍鋼琴家Jerzy Stryjniak

在紐約市待了4個晚上，跑了4場音樂會。第一天登場的是波蘭籍鋼琴家Jerzy
Stryjniak的獨奏會。對於這位鋼琴家，我可真的是完全不了解。會選擇聽這場音樂會，完全是衝著卡奈基音樂廳的名號而來的，還有便宜的票價，不過
呢，很多時候人算不如天算，這場音樂會真是非常非常的精采。尤其是和不久之前的李雲迪相較之下，對比更為明顯。




剛剛從網路上查到有關Stryjniak的相關介紹如下。他的名字念起來像是『史崔尼亞克』。他目前擔任紐約音樂藝術學校的校長，生于波蘭的首都華沙。畢
業於克拉科夫音樂學院，師從Stefansk以及Bukojemska
。Stryjniak曾獲得過波蘭文化部獎﹐他在1990年紐約國際鋼琴競賽中獲一等獎﹐曾擔任1994年康州國際鋼琴競賽評委主席。Stryjniak
在德國,義大利, 荷蘭, 比利時, 法國, 匈牙利, 日本,
加拿大等國舉行過獨奏會。在1990年紐約國際鋼琴競賽後他在卡內基廳舉行首演。紐約時報當年評為﹕『震撼人心，令人驚訝，氣勢磅礡。』




當天入場的成員就有些許的不一樣。有不少穿著貂皮大衣的貴婦人，或是穿著時髦連身性感套裝的年輕小姐，或是西裝畢挺的老先生出席，反倒是像我們這種一附觀
光客的人很少見。當時以為原來紐約市的音樂會穿著是不能和我們上州的鄉下地方相比的，我們到像是鄉下土包子。在我們座位前方坐著一位盛裝打扮但是白髮蒼蒼
的老頭，樣子有點像晚年的鋼琴家魯賓斯坦照片中的模樣，慈祥的老人。他的右手邊坐著一個年紀大約十來歲的小鬼，一頭金髮，但是全身也是西裝禮服的正式打
扮，非常好動，坐不太住的樣子。老人的左邊是兩位貴婦人。他們彼此講的語言並非英語。沒多久，另外一對貴婦人看到這位老人，來和他聊天，說他是不是『某
某』先生。喝，原來前面這個老頭是個名人呢！很自然聽到他們一些對話，原來他們是波蘭人，晚上音樂會結束之後，在波蘭領事館還要續攤，會有一場酒會的樣
子。這就怪了，什麼大日子。難道每位波蘭鋼琴家登臺，領事館都這麼慎重嘛？




節目開場，首先走上舞臺的並不是今晚要登台鋼琴家，而是主持人，他本身也是紐約知名的鋼琴家。他對大家表示，今天是Stryjniak慶祝五十歲生日的音
樂會。這個主持人在紐約有主持電臺，所以妙語如珠，講話非常生動。他介紹他所認識的Stryjniak，是一位充滿著熱情，非常passionate的
人，對於波蘭的一草一木，都可以如數家珍一般講個不停。他最愛的音樂是蕭邦，還有李斯特。主持人也提到在場有他年僅十二歲的寶貝兒子，本身也是非常具有天
賦的鋼琴天才。想不到這個時候前面這個小鬼竟然調皮地舉起手來了，原來他是鋼琴家的兒子阿。那旁邊這老頭真不知是何方神聖呢。肯定不是他老爹，因為主持人
緊接著說，Stryjniak的父親前陣子剛剛過世，今天的音樂會也算是對他父親的追念。主持人也簡短但是精闢地介紹上半場的演出曲目。都是蕭邦的作品。
下半場開場之前，主持人也同樣介紹下半場的曲目。他認為，李斯特與蕭邦都是潛心探索鋼琴表現風格與可能性的先驅。至於兩人作品之間的最大差異，大略而言，
就是蕭邦強調的是對於內心情感的表現，至於李斯特則著重於對於外在景物的描繪表現。




主持人接著就把舞臺交還給鋼琴家Stryjniak。他出場時算是小快步走，走到鋼琴邊，對著現場觀眾鞠躬九十度，停頓一兩秒之後，起身，解開西裝外套的
扣子，坐下來，等到現場安靜下來之後，他也準備好要開始了。這個入場鞠躬的動作，還有坐下之前解開扣子，但是站起來答禮之前，扣上扣子的動作，他可是整場
都貫徹執行。很有趣。第一首是蕭邦的詼諧曲第一號。石破天驚的兩個和絃之後，快速上升音型的第一主題就充滿著敏捷的活力，等到速度突然緩和下來的過門時，
鋼琴突然奏出不同層次的和聲感覺與色彩。當下我就感覺得，這個傢伙有一套，今天晚上可大有耳福了。Stryjniak沒有讓我失望，中段的甜美民謠旋律，
處理的很好，與前面的激動情緒產生明顯的對比。而整首詼諧曲的張力都控制的很好。不會有那種不知道神遊到哪裡的感覺。不過第一首只是暖場，真正精采的還在
後頭。他的一分鐘圓舞曲並沒有為了搶到一分鐘裡面而狂飆速度，但是左手的圓舞曲三拍子節奏總是很靈巧地踩著舞步，讓右手的旋律自由自在地發揮，彈性速度讓
人非常激賞。




Stryjniak也演奏了蕭邦的『恬靜的行版與光輝的大波蘭舞曲』。同樣一首曲子兩個禮拜前才聽到李雲迪的現場，正好是一個很好的比較機會。相較之下，
我個人認為Stryjniak的表現要比李雲迪出色甚多。Stryjniak的波蘭舞曲的主題打的比較穩重，清楚，不求輕巧或是刻意求快，因此當主題一再
重覆出現，變形時，Stryjniak能夠在表現出蕭邦特有那種華麗裝飾音的情況下，依舊可以把主題的原貌照顧的好好的，在重覆中有變化，而不是讓裝飾音
搶走了主題的反覆，最後讓聽者感覺沒完沒了的重覆。這個部份是我當晚最欣賞Stryjniak的一點。其次，對於音色與音量的控制，Stryjniak也
都沒有過於激動的情況出現，加上優異的彈性速度，使得整首波蘭舞曲的大小聲音量變化不再只是大聲跟小聲的表情差異而已，我可以聽到鋼琴自然地回應鋼琴家指
尖的觸鍵，像在呼吸，在說話，在說故事，在舞蹈，在嘻鬧。而隨個故事與舞步的演進，自然而然地那些強弱表情紛紛到位。最後面蕭邦為了炫技的高潮也顯得自
然，有逐漸堆砌的效果，而不是強，強，強，把人的耳朵給操到疲乏了。當晚的蕭邦，真是非常高水準的演出。如果真有所謂原汁原味，道地的波蘭式蕭邦，那大概
就是當天晚上Stryjniak所彈奏出的那種感覺了。




下半場幾乎全部是李斯特的曲子。主持人開場之前開玩笑說，鋼琴家今晚很有勇氣挑戰李斯特的超技練習曲，還有著名的『鐘』，如果他能夠安然度過沒有任何彈錯
的音符的話，請大家記得給他用力的鼓掌。排出來的這些曲子都是硬裡子。Stryjniak手中的李斯特就跟他的蕭邦一樣，並不追求豐沛的音量或是飛快的速
度，而是專注於表現出作曲家浪漫主義的那一面，也就是將內心的情感與外在的景物，甚至歷史情懷表現出來。雖然在超技練習曲還有鐘的時
候，Stryjniak的錯音符明顯增多，卻絲毫不減欣賞的樂趣。能夠親耳聽見鋼琴家與這些艱難的曲子奮鬥，的確是個很棒的感覺。在唱片裡聽到的多半都是
過度剪接修飾過之後的產品，完美，但是沒有那種就在當下的意義。我個人特別喜歡他在彈奏『嘆息』那首曲子所表現的溫暖琴聲與細膩的表情。




在觀眾一片起立歡呼掌聲中，Stryjniak演奏了一首安可曲(不記得是哪一首了)。正當觀眾繼續不停的鼓掌，希望鋼琴家能夠給今天這場別具意義的精采
演奏會留下更精采的結束時，風趣的主持人又拿著麥克風出場了。他對觀眾說，今天有一項特殊的安排，待會將有遠到自華沙來到紐約，波蘭的文化部的代表，將頒
贈卓越文化貢獻獎章給Stryjniak，表彰他對於提昇波蘭音樂與文化的長期努力。經過簡短的頒獎儀式之後，這場音樂會就此結束。

散場時看到外面有在賣CD，很好奇，但是人潮不斷，就沒有走過去一探究竟了。我想我會非常有興趣購買他所彈奏的蕭邦，將列入長期收集名單。走出戶外，早春
夜晚的寒風吹來，彷彿要將原本心中那種聽完一場高水準音樂會之後的充實感給打散，拉回紐約夜晚的現實。幸運的是，外面就是地鐵站入口，很快鑽進裡頭，慢慢
在腦子裡回味。紐約的音樂表演著時讓我開了眼界。




殊不知，隔天晚上的音樂會竟然更勝一籌呢。且待下次分曉。




[04/12/2008]

Live, from New York

上週在紐約市待個四個晚上，聽了四場音樂會，跑了三個場地。在卡奈基音樂廳的小廳欣賞了兩場鋼琴獨奏會，在林肯中心欣賞了
由紐約市立歌劇院(New York City Opera)擔綱演出的普契尼的『蝴蝶夫人』，以及重頭戲，大都會歌劇院(The Met
Opera)在李汶(James Levine)指揮之下，由當今首席華格納男高音Ben
Heppner擔綱演出華格納的重量級歌劇『崔斯坦與伊索德』。接下來幾天我要陸續整理一些心得。特做此預告。至於同一時間在費雪廳(Avery
Fisher Hall)由紐約愛樂與小提琴家祖克曼(Pinchas Zukerman)合作演出的艾爾加協奏曲，則因為門票早已銷售一空而錯過了。


[04/03/2008]

瞧一瞧卡奈基音樂廳

趁著到紐約市開會的機會，終於能夠如願到著名的卡奈基音樂廳(Carnegie
Hall)欣賞兩場音樂會。雖然美中不足的是，這兩場都是在比較小那一廳Zankel
Hall所舉行，但是依舊有那種到著名景點朝聖，與紐約上流社會一塊湊熱鬧的體驗，甚是有趣。其實時間上是有機會到最著名的大廳
Stern/Perelman Hall，但是當天晚上的演出團體(New Jersey
Philharmonic)怎麼比也比不上紐約大都會歌劇院上演華格納的崔斯坦來得吸引人(請見另外一篇文章)，所以我們只能割愛了。




卡奈基音樂廳位於曼哈頓mid-town附近，就在57街與第七大道的交界處，距離中央公園的南端只有大約50公尺的距離。外觀是磚紅色的建築，並不怎麼
起眼，也沒有什麼美學上的特色。若不是懸掛的幾面旗幟寫著Carnegie
Hall這個響噹噹的名字，若不是牆壁上的告示版張貼著近期的演出海報資訊，還真不容易抓住紐約街頭的人群的注意力呢。不過類似這種的音樂廳似乎很多，就
只是城市市中心的某一棟普通的建築物而已，不一定非得是類似林肯中心(Lincoln
Center)或是台北的國家音樂廳與歌劇院那樣佔據著一整片寬廣的面積。在Troy的那個音樂廳也是類似。




因為預期是冷門場子，兩場都是我沒有聽說過，名氣比較不大的鋼琴家的鋼琴獨奏會，所以我們沒有事先在網路上買票，就只在開場前到售票窗口(box
office)直接詢問最便宜的票價。讓我吃驚的是，學生票打半價，買起來是真的非常的便宜。我們一共聽了兩場，一場學生票是十五元，另外一場只要十元。
想想那些在紐約市念書的留學生可真是非常的幸福呢。售票大廳頗為陰暗，不捨得開燈，只有一個開放的窗口露出微弱的燈光，售票員透過廣播器與妳對話，就像在
買地鐵車票一樣。小小的一個開口，只容許鈔票，信用卡，門票的交換動作。嘿，的確提醒了我們，雖然是文化表演場地，可別忘了這裡是紐約市呢。安全警戒措施
一點也不亞於地鐵售票口。




Zankel
Hall廳的入口在第七大道上的側門，小小的一個入口，進去有安全人員檢查包包，安檢之後就搭乘電扶梯往地下室，大多數人都要下兩樓。狹窄的電扶梯與入
口，讓人心理納悶，這真是卡奈基音樂廳嘛，怎麼這麼簡陋。一點也沒有宏偉的氣派。電扶梯下去之後，有人幫忙帶位。Zankel
Hall是一個小型的表演場地，長方形的設計，從左到右總共大約有30個座位吧，前後大約有30排，並沒有一般Balcony的座位，舞臺兩側上方各有一
排普通的椅子座位。所以總共的觀眾人數應該在1000至1200之間。舞臺並不大，擺了一台史坦威之後，看起來剛剛好，不會太空曠，但是也不會太擁擠。四
周牆壁都是用有條紋的木板隔著，顯然是為了共鳴與反射的效果，但是沒有什麼布幔之類常見的吸音裝置，不知道殘響會不會太久。天花板那裡倒是比較特別一點，
不像一般音樂廳會用大型的水晶燈或是豪華的吊飾，這個廳的天花板掛滿了各式各樣舞臺表演會用到的燈光器材，雖然都是黑色的，視覺上並不會太突兀，但是數目
驚人的圓筒狀投射燈所共同構成的不規則形狀，還是著實讓人擔心與好奇它們對於聲波的反射究竟會產生什麼樣的不良影響。




兩場聆聽下來，鋼琴的音色相當自然，低頻渾厚卻清楚，高頻的泛音頗佳。令人訝異的是，殘響不但不長，反而有讓人覺得過短的感覺，或許那些不規則的投射燈反而抵消了可能產生的共鳴問題。




下次再來聊聊演奏會的內容。




[04/03/2008]

李雲迪：sensation or success

音樂會準時七點開始，雖然音樂廳不大，但是現場大概只坐了六分滿，空位很多，其中有或許有將近一半的觀眾是我們這種東方臉
孔。有些是家長帶學琴小朋友來聽。美國音樂廳常見的那種老面孔，穿著悠閒的老先生歐巴桑，倒是不太多見。似乎蕭邦鋼琴大賽首獎這個頭銜，對於打開知名度而
言，還不夠具有吸引力吧。這次我們的座位比上次來聽Joshual
Bell的二樓要來得好，距離舞臺只有大約25-30公尺，在面對舞臺的右方。一台碩大的史坦威鋼琴陳列在舞臺中間。


曲目安排。當晚演出的曲目和預告的節目單相同，並沒有變動。首先是莫扎特的第十號鋼琴奏鳴曲K.330，蕭邦的四首馬祖卡舞曲，第二號夜曲，李斯特改編舒
曼的Widmung，然後又是蕭邦的平靜的行板與華麗的大波蘭舞曲。下半場則是穆索斯基的展覽會之畫。安可曲的曲名我沒有聽得很清楚，可能是
Sunflower，旋律非常中國，應該是根據中國的歌謠改編的曲子。


整體風格而言，李雲迪有讓人感覺到似乎行程很急迫似地在趕的感覺。走上舞臺，向觀眾鞠躬致意之後，坐下來之後，花了大約三十秒鐘調整椅子的高度(難道他開
演之前沒有來試琴試音嘛？)就開始彈了。樂曲之間，他並沒有走回後台在走回前台的習慣，只是站起來向觀眾答禮之後，又坐下來繼續下一首曲子。展覽會之畫結
束之後，經過起立鼓掌的三次謝幕之後，他才坐下來彈安可曲。再一次謝幕之後，音樂廳的大燈就亮了。只有準備一首，著時頗讓人訝異。不曉得是不是因為下半場
的曲目消耗太多的體力了。我們在他的休息室外頭徘徊一陣子，想要等簽名，不過主辦單位卻對大家說今天沒有簽名，頗為失望。除了這些細節之外，他的音樂表現
風格也是以偏快的速度來進行居多。


開場的莫扎特，李雲迪似乎還未熱身完畢，有一點生疏，莫扎特輕快的旋律線有些時候被左手的伴奏聲給蓋過去，有些混濁。音色的變化不多，表情的變化主要是透
過音量的控制來表達。(因為我們坐的位置是面對舞臺的右手邊，看不到鋼琴家的手，但是他使用腳踏版的方式倒是看的很清楚。上半場的演奏幾乎只用到右邊的那
個踏板，左腳幾乎沒有使用。顯然他對自己手指的觸鍵頗具自信。)
第一樂章的奏鳴曲呈示部，第二樂章慢板，他該反覆的地方並沒有反覆。第三樂章，李雲迪讓觀眾見識到他的卓越技巧，飛快地結束曲子。現場聽到的感覺，和他在
DG所灌錄的同一首曲子似乎有不小的差異，在唱片中，他的音色比較細緻，整體的平衡感也比較好。


身為最年輕的蕭邦鋼琴大賽冠軍，他的蕭邦自然是拿手曲目。不過，當天晚上的演出中，只有華麗的大波蘭舞曲算是我比較滿意的。夜曲稍微快了一點，也少了一點
冰冷的感覺。他的演奏所欠缺的音色變化，在夜曲中似乎更為明顯。馬祖卡也是快，甚至有點聽不出來是馬祖卡了。第二首原本右手的旋律應該要粒子更清晰一點，
節奏更明快一點，但是在他手中，卻只有快，沒有細節。平靜的行板並不像是秋天早晨野雁在寧靜湖面戲水的的那種安靜，而像是大熱天在日月潭從事水上活動的人
群，大波蘭舞曲終於終於讓這位年僅二十五歲的年青人得到解放的感覺，使出渾身解數，猛力敲擊鍵盤。替上半場的演奏帶來適當的句點。李斯特改編舒曼的那首曲
子，雖然只有短短的幾分鐘，卻是讓人意外的驚喜，或許是上半場最好的演出吧。美麗柔和的主旋律在多聲部的和聲與伴奏中依然很清晰的持續出現。


總體來說，上半場的演奏算是勉強及格，鋼琴家的專注力似乎不夠，狀況並沒有達到巔峰，並沒有產生那種讓人驚豔或是出期不意的感動。常常出現那種急就章的感覺。或許是因為曲子太過通俗的關係。


下半場的『展覽會之畫』，則是當天音樂會的重頭戲所在。我們也終於看到全神貫注的鋼琴家大展所長。穆索斯基的這首曲子原本就是為鋼琴所寫，李希特稱它是俄
國鋼琴曲目的的最上乘傑作，因為曲子不僅要求卓越的技巧，對於音色與力道的控制更是不容有所閃失，而要如何能在負予十多首不同風格與主題的音畫獨特的性格
之餘，依舊能將它們串聯成為一個整體，則是對於演奏家的詮釋能力的一大考驗。『漫步』主題的多次出現，屢屢隨著Hartman畫作的內容不同，而有逐漸融
入其中的效果。除了鋼琴火光四射的炫技展現之外，更有內斂的『內心戲』。稍有不慎，就可能淪為華麗而無內涵的賣弄技巧的庸俗之作。


李雲迪還沒有灌錄過這首曲子，所以可能是替下一次錄音做準備的曲目。從李雲迪的表現看起來，他的技巧的確是游刃有餘，再多的音符，似乎都可以輕而易舉地完
成。一開頭的漫步，速度快的稍快板，像是年青人躍進現代藝術館那樣，充滿朝氣活力，而不是充滿遲疑的老人家踏入大都會博物館的慢條斯理。李雲迪似乎有自己
的話要說。侏擄的段落恰如其份。鋼琴家也開始使用比較多的踏版來製造弱音的朦朧效果，音色也比較多變一點了。兩個猶太人的吵架，不像是腦滿腸肥般咄咄逼人
的商人債主與還不起錢楚楚可憐的小生意人之間的階級鬥爭，而比較像是兩個年青人之間的激烈爭執，只不過一個嗓門比較粗曠，豪氣，理直氣壯一般，一個嗓門比
較細，講話快，但是有理說不清。笨重的牛車在李雲迪詮釋之下比較像是戰車，轟隆轟隆地作響，充滿力道。女巫漫天飛舞的段落，氣勢非常驚人，整個音樂廳彷彿
都要翻起來似地，而鋼琴家使用右腳踏板的頻繁程度與踏下的勁道，更是替這個音畫增色不少。可惜的是，或許是因為前個段落太過激動，突然之間樂曲轉入最後一
首『基輔城門』時，鋼琴家就把以接近最強音的音量與力道來表現，很直接，但是卻讓人不知道為什麼要這樣子。不過，接下來就很難逐漸堆砌樂曲的力道，凝聚最
後的高潮了。我們聽到的就只是無止盡的強音，精準的八度，震耳欲聾的左手低音。心中忍不住在想，穆索斯基是不是跟鋼琴有仇，這樣子糟蹋鋼琴，怎麼還不結
束。終於結束了，全場報以熱烈的掌聲。但，這是俄國音樂的特色嘛？我心理有個疑問。


安可曲又回到柔情似水的那種中國小調風格，也是他表現得比較好的詩意風格。全場都希望他彈個幾首蕭邦，李斯特，可惜，觀眾的心願沒有得到滿足。


這場音樂會一開始，我自己心中就一直在問，為什麼聲音這麼大，音色渾濁？由於音樂廳不大，而且沒有太多的吸音設備，因此音波的反射本來就會比較多，共鳴
好。上次聽小提琴的音色，細膩柔美，貫穿每個角落。這次卻似乎有完全不同的感受。莫扎特第一樂章的主題不清楚，左手伴奏的聲音太大。音量一大，效果就不甚
理想。或許也是跟座位有關係吧。不過，就算是小的音樂廳，鋼琴家不也應該用他的耳朵來調整一下使用的力道跟一些控制音色的技巧，以便得到比較理想的效果
呢？但是李雲迪似乎並沒有做任何的嘗試與改變。中場的時候我就想，下半場的『展覽會之畫』可真的會非常大聲了，果不其然。


總而言之，這場音樂會算是展現了李雲迪的實力，擁有驚人的演奏技巧，音樂性也很強。樂曲的選擇與安排也顯示他也可以在炫技的層面上與其他人一較長短，但
是，他需要加強的或許是音色，有時候讓人有太過單調的感覺。舞臺表現風格上，他顯得節制，絲毫沒有動作太大的誇張，不至於讓觀眾分心。但是詮釋風格上，仍
然不夠成熟。不同作曲家的味道好像還沒有掌握住。當然我們不能光就一場音樂會的演出好壞來論斷一位音樂家。我只能暫時得出這樣的結論，李雲迪還是值得注意
的鋼琴家，但是他還有很長的路要走。


剛剛在德州慶祝贏得第一屆柴可夫斯基鋼琴大賽五十週年的范克萊本(Van
Cliburn)，獲獎之後沒多久，接受訪問時，談到他自己對於年紀輕輕就功成名就(success)的看法如何時，他謙遜地說，他不覺得自已已經成功，
只覺得自己只算是一時的sensation。李雲迪自己有沒有這種體認，我們不知道。但是，我想也只有聽過他的舒曼，貝多芬，布拉姆斯，甚至巴哈之後，才
能大略掌握他究竟是sensation或是success，究竟是曇花一現或是或真價實的藝術家。


對了，因為沒有簽名會，所以就沒有簽名CD可以拿出來獻寶了。


音樂家：李雲迪(Yundi Li)


時間：2008年3月16日(星期天)


地點：Troy Savings Bank Music Hall


曲目：


Mozart: Piano Sonata in C Major, K. 330


Chopin: Mazurkas Nos. 22-25


Chopin: Nocturne in E-flat Major, Op. 9


Schumann/Liszt: Widmung


Chopin: Andante spianato and Grande Polonaise Brillante


Mussorgsky: Pictures at an Exhibition


Encore: Sunflower


[03/20/2008]

買到就是賺到

伯恩斯坦(Leonard
Bernstein)這套DVD是2007出版，收錄五張DVD，曲目包括布拉姆斯的四首交響曲，兩首鋼琴協奏曲（年輕的齊瑪曼(K.
Zimerman)），小提琴協奏曲（克萊默(Gidon Kremer)），雙重協奏曲（Kremer +
Maisky），兩首序曲，海頓變奏曲，還有小夜曲第二號。都是伯老於1970末期至1980初期指揮維也納愛樂，在DG所留下的珍貴影像紀錄。而且伯老
還針對交響曲，小提琴協奏曲，以及雙重協奏曲這些曲子，親自現身說法介紹這些曲子，更是有趣。因此，同樣曲目的CD我除了小夜曲之外，幾乎都有了，不過能
夠欣賞DVD，倒也是一番奢侈的享受。如果可以便宜買到，該有多好。


amazon.com的網路定價要134美金呢。這種價錢當然是買不起的啦。不過，前幾天看到有個店家賣全新22美金，顯然是價格標錯吧，不過我看到機不
可失，未加思索就給他訂了一套。本來擔心會被取消訂單，或是換成其他阿里不達的贗品，不過今天收到，可是貨真價實的原版品呢。硬殼子裡面裝了四個也有單獨
出售DVD。質感不錯。真是買到就是賺到。

[2/6/2008]

貝多芬的鋼琴奏鳴曲總共有三十二首？你確定？

紐約時報最近(一月二十號)的一篇專題報導訪問一位國際知名的貝多芬鋼琴奏鳴曲權威學者，英國曼徹斯特大學音樂系的Barry Cooper教授，他最近花了將近十多年的時間，重新整理各種有關貝多芬鋼琴奏鳴曲的各種版本以及最新出土的版本之後，出版了最新的校訂版。




我不懂音樂的專門知識，對於樂理也只是略知一二，所以這篇報導深入淺出地介紹一些與貝多芬樂譜有關的版本問題與相關議題，非常的有趣。裡面提到什麼叫做
urtext，為什麼要正確無誤地確定urtext是如此的困難。因素當然包括很多，很多作曲家本身都是演奏家，所以都是為了自己演奏的需要而作曲，若是
如此，樂譜本身就不一定要寫的鉅細靡遺，因為他自己看了大綱就知道這裡要怎麼彈。此外，樂譜的出版也不像現在由專屬的出版公司擁有版權。第一版可能出版了
100份之後，作曲家又稍加修改一下，找別家出版社出版100份，甚至同時有兩三家出版社出版，也不稀奇。有些出版社也會擅作主張增加一些表情記號或是速
度記號。這就產生一個問題，到底哪一個版本才是作曲家真正的原作意圖呢？而一旦原作意圖隱晦不明甚至遭到扭曲時，鋼琴家又怎麼可能忠實表現貝多芬真正想要
透過鋼琴來表達的意念呢？




當然這些是音樂學者要傷腦筋的問題。不過這篇報導到是提供一些有趣的數字。例如，貝多芬的鋼琴奏鳴曲總共有多少個音符？沒錯，大大小小的豆芽菜？您可能會
想，誰會去算這個東西，多次灌錄全集的鋼琴家可能也不知道有多少個音符。但是Cooper教授可是知道的，他說大約有五十萬個音符吧，大大小小。夠酷吧。




另外一個有趣的問題就是，到底貝多芬的鋼琴奏鳴曲總共有幾首？大家可能都知道有32首，甚至可以在心中從第一首默誦到最後一首。但是Cooper教授說，
應該有35首。這多出來的三首，以前就存在，只是大家都認為那是貝多芬還在學習階段所創作的，大約十幾歲的時候，算是不成熟的作品，所以不願意算。不過
Cooper教授卻主張，沒有道理只因為他們不夠成熟就不算，畢竟這些都是已經完成的奏鳴曲，而且也都小巧可愛，類似第19， 20， 22，
24那樣。而且，這三首都曾經出現在貝多芬過世之後不久的第一次出版的鋼琴奏鳴曲全集中。按照他的編排，大家所熟悉的號碼順序可能都要整個往後平移三號
了。悲愴將變成第十一號，月光變成第十七號，熱情變成24號。




還有一個就是有關Hammerklavier (Op.
106)的第一樂章的速度記號的問題。Cooper教授也有他的看法。他傾向於認為樂譜上標記的速度記號是貝多芬的原作意圖，所以鋼琴家們不應該抱怨，而
是應該好好多用功。畢竟貝多芬的大弟子徹爾尼(Czerny)在看到這個幾乎不可能演奏的速度記號時，也只說，「自己加油」(work at it)。




新聞來源：http://www.nytimes.com/2008/01/20/arts/music/20whit.html


[01/23/2008]