值得買但是要撿便宜才買的 Keilberth 1955 指環

期待多時，終於在前陣子看到Keilberth的1955年拜魯特現場實況的華格納指環中的女武神(Die Walkure)有在特價促銷，狠下心來用$29買了一套二手的。一套四張CD，以二守的價格來說，還是算貴的，更別提全新品動輒$90以上的驚人價錢。



自從2006年英國的Testament唱片公司發行這套指環中的齊格菲之後，馬上在指環迷甚至古典音樂樂迷之間引起一陣騷動。主要是因為他不像其他50年代的拜魯特實況錄音，而是有很多賣點。這些賣點加起來，讓這套指環成為非買不可的收藏品。

首先，這套據說是第一套用立體聲技術錄製的指環全曲。過去的觀念都認為，Georg Solti與維也納愛樂在1960年代的那套指環(DECCA)，是第一套立體聲指環，而那套指環的錄音效果以及Solti淋瀝的指揮風格，讓那套版本至今依舊號稱最經典且公認最safe的必備版本。殊不知，其實早在1955年，同樣一批錄音工程師Wilkinson與製作人Culshaw，就已經在拜魯特嘗試使用最新的立體聲錄音技術來收錄指環。錄音的成效顯然十分卓著。只是不知道甚麼原因，這套錄音被遺忘在DECCA庫房裡超過40年。相關的傳言不斷，卻鮮有幸運兒能夠欣賞到這套最早的版本。直到Testament從DECCA那裡取得版權之後，終於與愛樂者見面。



其次，不只是第一套立體聲錄音的指環，也是第一套立體聲實況錄音的指環。在錄音室完成的指環，最大的優點往往是可以動用更著名的的管弦樂團，在傳統的演奏廳或是音效良好的錄音室，經過完整仔細的剪接彩排之後，精雕細琢出完美的成品。Solti那套經典版本幾乎充分體現了以上的特性。維也納愛樂比起拜魯特節慶管弦樂團，平均的素質還是比較高的吧。錄音效果更是驚人的好。相較之下，指環實況錄音，多半出自拜魯特。曾經聽過一種說法，華格納規定指環只能在那個由他親自設計打造的音樂殿堂中上演，所以，要在其他地方聽到完整版的指環，可謂難上加難。實況錄音自然得出自那個一年一度的音樂季場合。偏偏那個音樂廳的特殊造型，管弦樂隊的樂池是一種向下延伸的位置，而且樂手的座位編排方式也不同，因此給實況錄音的麥克風位置造成一定的挑戰。考慮到這個因素之後，Keilberth 1955年這套立體聲的版本所展現出來的效果，真的會讓人非常的佩服。歌手的音量與樂團的音量之間平衡感很好，舞台上一舉一動的腳步聲，可以聽得出來，而樂團的木管樂器的音色，強弱對比，都在水準之上。

第三個賣點就是參與演出的陣容。很多資深樂迷喜歡說，1950年代的拜魯特是一個已經逝去的acoustics黃金年代，當時的重量級指揮家都曾經參與指揮，留下一個又一個精彩的演出，福佬，克納，克勞斯，還有Keilberth等。而當時募集到的唱將陣容更是驚人，Flagstad，Varnay，Modl等等，都是數一數二獨當一面頂級歌手。所以，每當指環迷只能透過單聲道的破爛錄音來欣賞與想像現場演出的場景與音樂時，心中的感慨是必然的。如果有好的錄音，收錄精彩的演出，該有多好，可以聽出更多的細節，更有臨場感。現在，Testament這套錄音著實滿足了這些資深樂迷的需要。表現出來的成果的確非凡。我自己還沒有那種功力可以比較不同歌手在同樣角色的優劣，但是單就欣賞的過程中，我特別喜歡這個版本的戲劇性，不管是父親與女兒理性的辯論罪與罰，或是父親對於女兒未來前途的關愛，都非常生動。



雖然我現在只有女武神，但是應該會慢慢把其他三齣給收齊，因為整個音樂的表現非常讓人滿意。但是，有兩個缺點是非常嚴重的。最大的缺點就是價格。新的一套，四張CD，竟然定價將近90美金。雖然一般可以用$50左右買到，但是還是非常的昂貴，我也真的買不下手。特別是，其實整個錄音的時間是有可能塞進去三張CD的容量的，大多數現在市面上的版本也都只需要三張，Testament卻選擇用四張。我想，除了增加張數可以定價定高一點之外，沒有甚麼很大的差別。所以，等二手CD是一個比較實際的策略。另外一個缺點也非常嚴重，雖然網路上提到這個問題的愛樂者不多。就是，這些CD雖然定價超高，但是卻裝在環保紙盒中，每張CD個別裝在紙袋(paper sleeves)，再搭配一本精美的解說冊。鑑於超高定價，我原本想應該也是豪華的包裝品質，硬殼的slipcase，加上笨重但是堅固的jewel case，附上一本厚厚大大的解說書才對。可是，期望與現實的落差真的太大了。雖然紙盒印刷與品質都沒有問題，解說冊也很有用，也有完整但小字體的libretto，可是，真正的問題在於那些裝CD的紙袋，品質真是讓人傻眼的拙劣，紙張看起來與摸起來非常薄，很容易受潮（台灣的朋友有沒有碰到類似的問題？注意一下比較好。）而且很容易產生毛邊。CD如果常聽，拿進拿出的，絕對很容易產生滿滿的刮痕。我甚至覺得，那些紙袋的品質比廉價廠牌Brilliant使用的環保紙袋包裝都來品質更差。也比SONY的顧爾德大全集的紙袋遜色很多。失望之餘，趕緊拿了一些塑膠的套子把CD另外裝，塞進同樣的紙盒。原本附的紙袋就變成裝飾品。我可不希望它們聽個幾次就刮傷。



總體而言，個人認為這套CD值得大力推薦。如果你不想一套一套蒐集，也可以考慮最近推出的整套指環，雖然我不知道裡面的解說冊有沒有縮水。所費不貲，多找找比價，或是等二手市場降價。

[10/29/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得(下)

『崔斯坦與依索德』(Tristan und
Isolde)的故事其實是很簡單的。主要的角色有兩位，崔斯坦是傳奇故事中典型的英雄角色，效忠英明的國王，在戰場上克敵制勝，將依索德當作戰利品要帶
回去給國王當老婆。依索德是傳奇故事中的典型角色，美貌與品德兼備，又有智慧。兩個人又個有一個小跟班，崔斯坦有位忠心的部屬，而依索德有位盡職的女僕。
依索德的愛人在抵禦崔斯坦侵略的防衛戰中敗北，戰死沙場。兩位典型的英雄與美女的關係，卻是由很不尋常的因緣際會所糾纏著。在戰役中，崔斯坦身受重傷，被
敵人帶到依索德那裡，雖然崔斯坦因為膽怯而刻意隱瞞姓名，自稱坦崔斯(Tantris)，但是依索德卻非常確定他就是殺死愛人的大敵，決心要殺害他。但
是，就當她舉起利刃要朝重傷的崔斯坦胸口刺下時，坦斯崔張開眼睛看著她，竟然讓她下不了手，手上的利刃不自主的鬆落。而且還用家傳的神效藥將他治好傷勢。
為了報答，坦斯崔宣示要永遠聽候她的使喚。可是崔斯坦最後還是把她擄走，要帶回去獻給國王。第一幕的故事就在英雄返鄉的船上開始的。




依索德似乎對崔斯坦忘恩負義感到憤怒，認為崔斯坦放縱手下挖苦她，是非常的不尊重，更相信自己抓到崔斯坦的把柄，認為崔斯坦沒種，不敢公開招認他的小命是
依索德手下留情賞給他的，所以一直刻意跟她保持距離。於是依索德決定使用祖傳的強效毒藥，要殺死崔斯坦。但是她的僕人不贊成這個技倆，極力反對這種激烈的
手段，不過，隨著大船逐漸接近目的地，她也屈服了。於是將崔斯坦騙到船艙中，編了謊言要崔斯坦喝下所謂『和解之酒』。那是什麼樣的東西，崔斯坦似乎也心知
肚明，他知道她的復仇心，也知道他的生命已經屬於她，於是坦蕩蕩地面對他的命運(fate)，拿起那杯毒酒要喝到肚子裡，接受他的命運。豈知毒酒喝到一
半，依索德竟然也搶過來一乾而竟。難道兩人在第一幕就將雙雙暴斃嘛？那後面兩幕要演些什麼？只見原本灰色系的舞臺燈光突然慢慢轉變成深紅色，或許代表著死
亡的血紅色，不過，觀眾們很快就知道，那是代表著濃烈愛情的紅。只見兩人的抓狂似地摟來摟去，連國王駕臨都難分難捨。原來他們喝下去的不是毒藥，而是春
藥。一場悲劇就此鑄成。




第二幕只是悲劇的初階段。雖然崔斯坦還是將依索德獻給國王當老婆，春藥的力量還是將兩個人緊緊拉扯在一起。有天，國王戴著眾臣夜晚出遊打獵，只留下依索德
在家。她又點起信號，召喚崔斯坦前來。兩人就這樣唱著一段又一段的談情說愛華格納顯然野心很大，要在這個段落塞進去愛情世界各種或發生的七情六慾，渴望天
長地久，又擔心無法海枯石爛。渴望夜晚的美，詛咒白晝所代表的光明與假象。有激情，有坦白。有憤怒，有包容。不過，透過字幕機一句一句欣賞歌詞，我發現這
段的歌詞其實挺搞笑的，一點都不比瓊瑤的台詞遜色。有句說，沒有依索德的愛，崔斯坦就不存在。但是，因為崔斯坦與依索德是分不開的，只要有崔斯坦對依索德
的愛不死，崔斯坦就不會死。真不愧是是德國人，喜歡搞思想。突然之間，一個象徵國王權威的巨塔緩緩地從地面升起，代表著在旁邊窺視已久的國王終於按耐不住
獻身，兩人的不倫之戀就此曝光。原來所謂的夜間狩獵，根本就是安排好的陷阱。傷心欲絕的國王緩緩動人地訴說崔斯坦的身世，他和過世的妻子無後，將崔斯坦視
如己出，所以不願意續弦延續香火。只不過因為崔斯坦堅持要把這個優質的異國美女獻給他當妃子，他才勉為其難同意。讓國王心痛的不是妻子的背叛，而是崔斯坦
的背叛。嚇，這下子，原本看似忠堅的不倫之戀突然之間有了大轉折，這樣的愛情豈是我們所能夠認同的？崔斯坦究竟是花心蘿蔔還是玩弄國王的惡棍？崔斯坦不願
意辯解，在一陣混戰中，再度坦蕩地接受他的命運，挨了另外一位將軍的一刀。倒地不起。




當然，崔斯坦的厄運還沒結束。第三幕的場景設定在他的故鄉，遙遠的一個小島上。自從他接受將軍那一刀之後，就長時間昏迷不醒，不知道經過的多久的時間。對
他死忠的部屬將他帶回他的故鄉，希望他能夠在熟悉的環境中甦醒，後來更請人到王宮向依索德報告他的訊息，希望她能夠過來。就在依索德的船即將抵達的前夕，
崔斯坦醒來了。回首過去的種種，他似乎情緒上經歷著極大的落差。他說他自出生就背負著死亡的厄運。他一生下來，父親就聽見可怕的聲音，然後就過世了。那是
不祥的預兆。而他現在也聽到那種聲音了。他回想當時是心甘情願要喝下依索德的毒酒，一死百了，豈知竟然要遭受到更大更嚴重的挫折，愛一個不能愛的人，不該
愛的人，甚至是敵人。他就像是生不如死。他迫不及待希望依索德可以趕快來到他身邊，已經出現近似幻覺的的狀態了。等到他終於盼到她的出現，而且也國王也終
於了解到崔斯坦為什麼後來會背叛他的苦衷之後，決定原諒他，正當一切終將雨過天青，有個圓滿結局的時候，他驟然倒地身亡。命運再一次作弄他。抵達他身邊的
依索德見狀，傷痛欲絕，也唱出全劇最著名的『愛之死』。




如前所述，這個系列的『崔斯坦』自從開演以來，兩位台柱就紛紛掛病號，未曾同台共演過。幸運的是，Ben
Heppner終於體力恢復，得以披掛上陣親自演出『崔斯坦』這個角色。他唱的真是美極了。聲音雄渾高亢，充滿英雄氣魄，即使當第三幕崔斯坦經歷從天堂到
地獄一般的劇烈情感變化過程中，Heppner的歌聲也相當恰如其份地傳達出多種情緒：有感慨(緬懷自己生來註定的悲慘命運)，有怨歎(自己為什麼求生不
得，求死不能)，有激昂的愛(受到春藥的影響之後，對於依索德的愛)，有幻覺(他一直以為他看到了依索德所搭乘的船)，有悲傷(他以為那艘船在驚濤駭浪中
撞到巨石沈沒)，有狂喜(他看到原來那艘船並沒有沈沒)，有希望(希望可以跟依索德共度幸福時光)。情緒範圍如此廣泛的角色，對於一般的歌手來說，是個艱
難的考驗，但是對Heppner來說，卻是一個發揮演唱功夫與天份的絕佳曲目。光是聽他現場的演唱，就絕對值得票價，更值得鐵腿一整晚了。




當晚演唱依索德的女高音並非原本預定的D. Voigt，而是另外一位。雖然是替補上陣，她的唱功當然還是有一定的水準。最後一首『愛之死』或許可以在多一些表情更突出的詮釋風格，即使經過五個小時的演唱，宏亮而堅定的音色絲毫沒有任何中氣不足的問題，讓人驚豔。




指揮家李汶(James
Levine)的指揮功力不在話下。個子不高的李汶，頂著雨傘狀的爆炸頭髮型，站在指揮台上，相當醒目。他與大都會歌劇院團已經合作相當長的時間，可以隨
心所欲讓樂團發出想要的力道與音色，令人激賞。他的指揮動作算是比較大的，就算他所站的位置是略低於觀眾席，但是不時可以看到他的雙手高舉，要樂團跟上表
情與拍子。李汶似乎深得紐約客的喜愛。每次他出場站上指揮台，或是最後走到舞臺上與歌手們一同謝幕致意，觀眾給她的掌聲都是最多的。




大都會歌劇院明年春天又將上演華格納的『指環』全曲，預定演出三個回合。這也將是某位製作人所製作的指環的最後一次公演。如果明年還有機會，還真想去看一看。看全本四齣歌劇，似乎是不切實際的高成本。如果只能夠看一場，看倌們會挑哪一場呢？不用說，我會想看『女武神』。




第一次現場欣賞華格納，真的很棒，powerful，真是鐵了腿也值得。不過下次如果還有機會，我們應該不會再鐵齒了，在開演之際就盯著觀眾席找空位，然後趁中場休息之際，溜到空位上去好好坐下來欣賞。




[04/17/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得(中)

決定這個星期要來紐約市的行程之後，華格納的這場『崔斯坦與依索德』就被規畫為最想看的表演。出發前三個禮拜，在網路上查
票價，哇，幾乎已經是全部售完了，只剩230元，還有80元的票價，但是80元的票不能看到舞臺全景，而且，雖然已經是接近最低價了，還是有點貴。出發前
兩三天，網路上的票都已經售完。所以我們決定改用其他方式買便宜的票。打聽結果，好像有兩種方式，第一種是在開演當天上午十點打電話到售票專線，買站票，
每張是20元，還有加上電話購票的手續費；第二種方式是開演前兩個小時親自到窗口去買rush
tickets，票價也是大約15元左右，有座位，而且可能位置比較好，但是數量有限。如果時間充裕，有不一定非看不可，當然排rush
tickets是最合算的方式。但是我們考慮到，難得進城，難得碰上華格納的歌劇製作，能夠親耳聽見，比較重要。因為這次熱門場子，rush
tickets可能座位有限，如果買不到，就沒有機會了。所以我們決定買站票。打電話進去，其實還挺方便的，給他們名字跟信用卡就可以了。開演之前去窗口
拿票即可。這個決定還算不錯，不過有一點失算了：我忘了『崔斯坦』要四張CD才裝得下！也就是，至少要站四個小時。就這樣，『鐵腿』成了不可避免的後果。




大都會歌劇院座落於林肯中心(Lincoln
Center)，大約在Broadway跟西62與65街之間。林肯中心主要包括三座建築主體。廣場右手邊是費雪廳(Avery Fisher
Hall)，紐約愛樂的表演場地。廣場左手邊是紐約市立歌劇院(The City Opera)。而位於兩者之間的就是大都會歌劇院(The Met
Opera)。以前在影片或是照片中，總是可以看到林肯中心的廣場上的噴泉，在金黃色燈光的投射之下，與背景的大都會歌劇院的玻璃落地窗相互輝映。不算氣
派，但是自有其特有的氣質。可惜的是，廣場上的噴泉正在施工，工程圍欄把佔據了整個廣場的一半，為了照相，還得刻意避開有礙觀瞻的圍欄。




歌劇預定七點鐘開場，我們大約六點左右抵達，只見入口處已經是人山人海。更特別的是，今天出席的觀眾當中，隨處可見盛裝打扮的紳士與貴婦，貂皮大衣爭奇鬥
豔。身著時髦的年輕辣妹反到少許多。比起前一天卡奈基的景象更是高檔一些。觀眾群的年紀也偏高。在演出當中，我們從站票的位置往前看，幾乎看到的都是背光
之下，白髮蒼蒼，綻放著銀色亮光的一顆一顆頭。那些座位肯定都是200美金以上，也難怪了，只有年紀稍長的人才負擔得起。




不知道什麼原因，進場時並沒有查看包包的安檢。也沒有人管我們掛在脖子上的照像機。不過裡頭自然是禁止攝影的，很可惜。收票之後，有一個非常寬敞的圓弧形
的樓梯，上二樓。到了二樓之後，又往上下兩個方向，往上到包廂，往下到主要的Orchestra座位樓層。我們站票的位置還不錯，在Orchestra那
一層，面對舞臺的右後方，前排。雖然是站票，但是還是有劃座位號碼的，總共有三排，每一排都有一個大約一百二十公分高，類似吧台的小平台，上面有號碼，需
要對號入『站』。站位之間的寬度並不大，大約70公分左右而已。如果是體型比較壯碩的大個，可能會變得很擠，並不舒服。小平台的作用除了讓觀眾可以把手趴
在上面，比較舒服之外，也是要放置個人字幕機。這種個人字幕機只是一排簡單的LED顯示版，讓觀眾可以聽得懂舞臺上的歌手在唱些什麼，如果不需要字幕，怕
干擾分心，可以選擇關掉，而且可以選擇英語，德語，還有義大利語(忘了是不是有法語)。多虧有這個字幕機，所以我們才能夠比較準確且充分地了解對話的內容
與故事的情節。來欣賞之前，我沒有時間先做功課，把『崔斯坦』的故事好好摸清楚，或是多聽一聽貝姆的版本。最熟悉的或許只有一開始的前奏曲與最後面的愛之
死，除此之外，整齣歌劇對我來說還是相當的陌生。




幸運的是，我們的站位在前排，至少可以不用擔心前面跑出一個高個子出來擋住視線。從站位看出去，可以看到舞臺的百分之九十吧，除了上方的視野被二樓包廂切
掉之外，並有太大的影響。整場看下來，大多數的舞臺場景並沒有用到太高的空間，所以影響不大。小小的遺憾是，出門的時候太趕了，忘了把望遠鏡帶在身上。只
能憑著肉眼盯著舞臺上，看不見歌手們的表情與長相。開場時，三排的站票座位站了滿滿的人，一點也不意外。




站著看表演，當然是很平常的，在台灣就常常看廟會的野台秀，或是在路邊看熱鬧，紐約的街頭表演也是幾乎無所不在。但是，花錢買票站著欣賞音樂，還是頭一
遭。當頂著招牌爆炸頭的可愛的指揮家李汶走上舞臺，樂音響起時，馬上就被吸引進去了。不過阿，兩隻腳還是得不時換腿支持身體的重量，有時右腳，有時左腳，
有時兩隻腳。身體的姿勢也是不斷變化，有時挺直腰桿，伸懶腰，有時趴在小平台，把頭撐在兩隻手上，像貢桌上的豬公，有時用單手頂著腦袋瓜。『崔斯坦』總共
有三幕，也就是說，中間會有兩次休息時間。休息時間一到，我們就跑出去地下室上廁所，廁所外頭有一張長沙發，二話不說就先坐下來。好好休息一下。那些來排
隊上廁所的老先生老太太看到我們年輕人攤在沙發上不起來，可能覺得很怪吧，殊不知，他們是因為坐了太久，需要起來走動走動，我們可是因為站太久，需要坐下
來休息呢。




不過有一個現象是，到了第二幕，站位席上的觀眾人數似乎少了一半。當時以為那些人是不是沒『凍頭』不耐站，已經撤退了。但了第三幕開始之前，我們那一區好
像只剩下四個人堅守崗位。這可就怪了。觀察一下，原來很多人都溜到沒人坐的座位上去了。這可真是聰明。那些一定是經驗老到的紐約客，一開演之後就盯著座位
看，找那些空位子，等到休息的時候就溜過去。花站票坐座位，當然是非常划算了。可惜當我們發現可以幹這種事的時候，第三幕已經開演了，不太方便亂跑，影響
其他人。而且，也是一個念頭，想要看看自己一身老骨頭是不是還耐得住，整場站下來，也算是一項可以拿出來說嘴的難得體驗吧。




從七點鐘準時開場，到依索德唱完最後那首感人的『愛之死』，已經超過了半夜十二點了。五個小時下來，兩條腿已經相當疲憊。不過，當下那個時刻，身體上的疲憊卻不敵精神上的滿足。要直到第二天才逐漸感受到『鐵腿』的後果。




[04/16/2008]

偉哉華格納，鐵腿也值得 (上)

不管在哪裡，只要有華格納(Richard
Wagner)的歌劇上檔，都必然會吸引媒體的目光，更是愛樂人士之間爭相走告的熱門話題，一票難求的現象更是稀鬆平常。今年春天，紐約市大都會歌劇院
(The Met Opera)決定將十幾年前製作的『崔斯坦與依索德』(Tristan und
Isolde)重新搬上舞臺時，幾個場次的好門票(當然是價格便宜的)早就已經搶購一空。




這次演出之所以受到矚目的最大原因，自然就是號稱網羅了當代演唱華格納歌劇的兩大超級巨星，主唱Tristan的男高音Ben
Heppner以及主唱Isolde的『重量級』女高音Deborah
Voigt。兩位歌手之前就已經多次在紐約不同場合分別扮演各自的角色，但是兩人連袂登台搭檔演出，卻肯定是首度，肯定是叫好又叫座的大製作。加上指揮家
李汶(James Levine)的卓越指揮功力，使得這次的Tristan廣受各方期待。




不幸的是，華格納的這齣歌劇自從百年前首演之夜開始，被詛咒的各種流言始終不斷，因為演出的意外事件頻傳。世界首演時，飾演Tristan的男高音在演唱
會結束之後，當晚就不治死亡。多年前在紐約上演時，也發生從舞臺佈景上摔落的事件。這次大都會歌劇院的製作，自然也『難以倖免』，更糟糕的是，受到波及的
竟然是兩位主角。Heppner與Voigt輪流掛病號，總共演出九場，可是前七場，兩人始終都沒有同時登台過，都是由副手來登場。更慘的是，接替
Voigt的副手因為承受不了演唱Isolde的負擔，也掛了病號，只能再找副手的副手來接替演出。歌手在舞臺上走位時，也發生過跌倒的事情。直到最後第
二場(3/25)，Heppner終於把病養好，首度登場演唱Tristan的角色。而最後一場(3/28)，Voigt竟然也適時歸隊。兩位巨星終於同
台演出，替這次的製作畫下一個不圓滿但是讓人滿意的句點。紐約時報說，兩人同台的精湛演出讓愛樂者漫長的等待值回票價。




我們在紐約聽到的第二場音樂會，就是三月二十五日Heppner重返舞臺的那一場。那真是一次在聽覺上，視覺上，精神上，與體能上的『重量級』享受。




[待續]




[04/13/2008]

波蘭籍鋼琴家Jerzy Stryjniak

在紐約市待了4個晚上，跑了4場音樂會。第一天登場的是波蘭籍鋼琴家Jerzy
Stryjniak的獨奏會。對於這位鋼琴家，我可真的是完全不了解。會選擇聽這場音樂會，完全是衝著卡奈基音樂廳的名號而來的，還有便宜的票價，不過
呢，很多時候人算不如天算，這場音樂會真是非常非常的精采。尤其是和不久之前的李雲迪相較之下，對比更為明顯。




剛剛從網路上查到有關Stryjniak的相關介紹如下。他的名字念起來像是『史崔尼亞克』。他目前擔任紐約音樂藝術學校的校長，生于波蘭的首都華沙。畢
業於克拉科夫音樂學院，師從Stefansk以及Bukojemska
。Stryjniak曾獲得過波蘭文化部獎﹐他在1990年紐約國際鋼琴競賽中獲一等獎﹐曾擔任1994年康州國際鋼琴競賽評委主席。Stryjniak
在德國,義大利, 荷蘭, 比利時, 法國, 匈牙利, 日本,
加拿大等國舉行過獨奏會。在1990年紐約國際鋼琴競賽後他在卡內基廳舉行首演。紐約時報當年評為﹕『震撼人心，令人驚訝，氣勢磅礡。』




當天入場的成員就有些許的不一樣。有不少穿著貂皮大衣的貴婦人，或是穿著時髦連身性感套裝的年輕小姐，或是西裝畢挺的老先生出席，反倒是像我們這種一附觀
光客的人很少見。當時以為原來紐約市的音樂會穿著是不能和我們上州的鄉下地方相比的，我們到像是鄉下土包子。在我們座位前方坐著一位盛裝打扮但是白髮蒼蒼
的老頭，樣子有點像晚年的鋼琴家魯賓斯坦照片中的模樣，慈祥的老人。他的右手邊坐著一個年紀大約十來歲的小鬼，一頭金髮，但是全身也是西裝禮服的正式打
扮，非常好動，坐不太住的樣子。老人的左邊是兩位貴婦人。他們彼此講的語言並非英語。沒多久，另外一對貴婦人看到這位老人，來和他聊天，說他是不是『某
某』先生。喝，原來前面這個老頭是個名人呢！很自然聽到他們一些對話，原來他們是波蘭人，晚上音樂會結束之後，在波蘭領事館還要續攤，會有一場酒會的樣
子。這就怪了，什麼大日子。難道每位波蘭鋼琴家登臺，領事館都這麼慎重嘛？




節目開場，首先走上舞臺的並不是今晚要登台鋼琴家，而是主持人，他本身也是紐約知名的鋼琴家。他對大家表示，今天是Stryjniak慶祝五十歲生日的音
樂會。這個主持人在紐約有主持電臺，所以妙語如珠，講話非常生動。他介紹他所認識的Stryjniak，是一位充滿著熱情，非常passionate的
人，對於波蘭的一草一木，都可以如數家珍一般講個不停。他最愛的音樂是蕭邦，還有李斯特。主持人也提到在場有他年僅十二歲的寶貝兒子，本身也是非常具有天
賦的鋼琴天才。想不到這個時候前面這個小鬼竟然調皮地舉起手來了，原來他是鋼琴家的兒子阿。那旁邊這老頭真不知是何方神聖呢。肯定不是他老爹，因為主持人
緊接著說，Stryjniak的父親前陣子剛剛過世，今天的音樂會也算是對他父親的追念。主持人也簡短但是精闢地介紹上半場的演出曲目。都是蕭邦的作品。
下半場開場之前，主持人也同樣介紹下半場的曲目。他認為，李斯特與蕭邦都是潛心探索鋼琴表現風格與可能性的先驅。至於兩人作品之間的最大差異，大略而言，
就是蕭邦強調的是對於內心情感的表現，至於李斯特則著重於對於外在景物的描繪表現。




主持人接著就把舞臺交還給鋼琴家Stryjniak。他出場時算是小快步走，走到鋼琴邊，對著現場觀眾鞠躬九十度，停頓一兩秒之後，起身，解開西裝外套的
扣子，坐下來，等到現場安靜下來之後，他也準備好要開始了。這個入場鞠躬的動作，還有坐下之前解開扣子，但是站起來答禮之前，扣上扣子的動作，他可是整場
都貫徹執行。很有趣。第一首是蕭邦的詼諧曲第一號。石破天驚的兩個和絃之後，快速上升音型的第一主題就充滿著敏捷的活力，等到速度突然緩和下來的過門時，
鋼琴突然奏出不同層次的和聲感覺與色彩。當下我就感覺得，這個傢伙有一套，今天晚上可大有耳福了。Stryjniak沒有讓我失望，中段的甜美民謠旋律，
處理的很好，與前面的激動情緒產生明顯的對比。而整首詼諧曲的張力都控制的很好。不會有那種不知道神遊到哪裡的感覺。不過第一首只是暖場，真正精采的還在
後頭。他的一分鐘圓舞曲並沒有為了搶到一分鐘裡面而狂飆速度，但是左手的圓舞曲三拍子節奏總是很靈巧地踩著舞步，讓右手的旋律自由自在地發揮，彈性速度讓
人非常激賞。




Stryjniak也演奏了蕭邦的『恬靜的行版與光輝的大波蘭舞曲』。同樣一首曲子兩個禮拜前才聽到李雲迪的現場，正好是一個很好的比較機會。相較之下，
我個人認為Stryjniak的表現要比李雲迪出色甚多。Stryjniak的波蘭舞曲的主題打的比較穩重，清楚，不求輕巧或是刻意求快，因此當主題一再
重覆出現，變形時，Stryjniak能夠在表現出蕭邦特有那種華麗裝飾音的情況下，依舊可以把主題的原貌照顧的好好的，在重覆中有變化，而不是讓裝飾音
搶走了主題的反覆，最後讓聽者感覺沒完沒了的重覆。這個部份是我當晚最欣賞Stryjniak的一點。其次，對於音色與音量的控制，Stryjniak也
都沒有過於激動的情況出現，加上優異的彈性速度，使得整首波蘭舞曲的大小聲音量變化不再只是大聲跟小聲的表情差異而已，我可以聽到鋼琴自然地回應鋼琴家指
尖的觸鍵，像在呼吸，在說話，在說故事，在舞蹈，在嘻鬧。而隨個故事與舞步的演進，自然而然地那些強弱表情紛紛到位。最後面蕭邦為了炫技的高潮也顯得自
然，有逐漸堆砌的效果，而不是強，強，強，把人的耳朵給操到疲乏了。當晚的蕭邦，真是非常高水準的演出。如果真有所謂原汁原味，道地的波蘭式蕭邦，那大概
就是當天晚上Stryjniak所彈奏出的那種感覺了。




下半場幾乎全部是李斯特的曲子。主持人開場之前開玩笑說，鋼琴家今晚很有勇氣挑戰李斯特的超技練習曲，還有著名的『鐘』，如果他能夠安然度過沒有任何彈錯
的音符的話，請大家記得給他用力的鼓掌。排出來的這些曲子都是硬裡子。Stryjniak手中的李斯特就跟他的蕭邦一樣，並不追求豐沛的音量或是飛快的速
度，而是專注於表現出作曲家浪漫主義的那一面，也就是將內心的情感與外在的景物，甚至歷史情懷表現出來。雖然在超技練習曲還有鐘的時
候，Stryjniak的錯音符明顯增多，卻絲毫不減欣賞的樂趣。能夠親耳聽見鋼琴家與這些艱難的曲子奮鬥，的確是個很棒的感覺。在唱片裡聽到的多半都是
過度剪接修飾過之後的產品，完美，但是沒有那種就在當下的意義。我個人特別喜歡他在彈奏『嘆息』那首曲子所表現的溫暖琴聲與細膩的表情。




在觀眾一片起立歡呼掌聲中，Stryjniak演奏了一首安可曲(不記得是哪一首了)。正當觀眾繼續不停的鼓掌，希望鋼琴家能夠給今天這場別具意義的精采
演奏會留下更精采的結束時，風趣的主持人又拿著麥克風出場了。他對觀眾說，今天有一項特殊的安排，待會將有遠到自華沙來到紐約，波蘭的文化部的代表，將頒
贈卓越文化貢獻獎章給Stryjniak，表彰他對於提昇波蘭音樂與文化的長期努力。經過簡短的頒獎儀式之後，這場音樂會就此結束。

散場時看到外面有在賣CD，很好奇，但是人潮不斷，就沒有走過去一探究竟了。我想我會非常有興趣購買他所彈奏的蕭邦，將列入長期收集名單。走出戶外，早春
夜晚的寒風吹來，彷彿要將原本心中那種聽完一場高水準音樂會之後的充實感給打散，拉回紐約夜晚的現實。幸運的是，外面就是地鐵站入口，很快鑽進裡頭，慢慢
在腦子裡回味。紐約的音樂表演著時讓我開了眼界。




殊不知，隔天晚上的音樂會竟然更勝一籌呢。且待下次分曉。




[04/12/2008]

Andrei Gavrilov 演奏蕭邦的練習曲(EMI)

雖然說像巴克豪斯(W. Backhaus)，阿勞(C. Arrau)，科爾托(A.
Cortot)等鋼琴界的老大師們都曾經灌錄全本24首的蕭邦練習曲，但是在我的印象中，波里尼(M.
Pollini)在DG的版本始終是最衷愛的版本。我喜歡他的音色中所帶有的明亮度，不著痕跡渡過萬重山的精準技巧，以及卓越的音色控制。可是當我聽到
Gavrilov這個版本之後，我的喜好有了改變(EMI 1987)。




Gavrilov在加盟DG之前，曾經在EMI灌錄多張CD。這張蕭邦的練習曲或許是他在這個時期最有名的版本吧。Gavrilov採取的是一種完全豁出
去的演奏策略，在卓越技巧的驅使之下，他顯然有意將每一首曲子的詮釋風格推到極致。速度比一般聽到的版本都要來得快。他不求每個音符都要清晰正確的彈出
來，而是將大量音符精準而平衡地控制在整體呈現的旋律線條，以宏偉的氣勢衝進聽眾的耳朵。革命練習曲(Op. 10 No.
12)講究的是左手必須展現波蘭人民群起激奮的氣勢，也是蕭邦本人昂揚的愛國情操的昇華表演。Gavrilov的表現讓人激賞，左手彷彿捲起千堆雪一般，
排山倒海而來。雖然情感的濃烈度或許尚不及於李希特在倫敦的一場實況錄音的版本，在氣勢上卻是不分軒輊。




現在，每當我想要從音樂中找尋那種彷彿賽車一般所講究的速度感，刺激感，與毫髮不差的精準時，我都會毫不考慮地挑出這一張驚人的蕭邦練習曲版本。但是，每回從頭到尾一次聽完，還真的是一件吃力的事情呢。




這個版本最早由EMI發行於1987年，後來多次再版，不管是Seraphim (2001)或是EMI Red Line
(1997)的低價系列，都可以很容易買到。也曾經出現在Double-forte或是Gemini這兩個兩張CD的中價位系列中，搭配其他蕭邦的曲子。

[03/09/2008]

李雲迪的鋼琴獨奏會

年輕的中國鋼琴家李雲迪將於近期到本地音樂廳演出，昨天一大早去排音樂廳為了總統節這個假期而安排的特價售票活動，被我搶到兩張特價票，每張只要十元，原
價要32-35元。挺過癮的。今年又可以到Troy那個音效卓越的音樂廳去欣賞了。上次去聽Joshua
Bell的小提琴，這次聽鋼琴獨奏，甚是痛快。有趣的是，老美似乎把他的名字(Yundi Li)唸作『洋迪李』。




預定的曲目算是通俗且容易欣賞的。莫札特的C大調鋼琴奏鳴曲K.330，幾首蕭邦，馬祖卡，還有我個人很喜歡的華麗大波蘭舞曲，此外還有李斯特。下半場則
是穆索斯基的展覽會之畫。上半場的曲目，李雲迪似乎都已經灌錄過唱片，倒是下半場的，也許是為了將來的錄音作準備吧，頗讓人期待。




中國最近在國際樂壇冒出頭的兩位鋼琴家，李雲迪，以及郎朗，我個人是比較看好李雲迪。最新灌錄的專輯是和小澤征爾合作的普羅可菲夫協奏曲第二號(DG)，
以及拉威爾的G大調協奏曲，獲得今年葛萊美獎的提名（未得獎）。不過，聽過才能見章。屆時再向各位看倌報告。也許會附上簽名CD照片給大家欣賞一下。




昨天在音樂廳看到去年的海報，原來Hilary Hahn去年十一月也有來，當時錯過了，真是非常的可惜。




[02/19/2008]

SONY BMG顧爾德大全集 報告二

之前在友站看到一個消息，這套CD的第37片有嚴重的爆裂嘶聲，所以一拆開，我趕緊把這片收錄貝多芬變奏曲的唱片拿來試聽。挖咧，果然也發生在這套CD 上。我聽到了不只第28與第30軌，甚至連30與31軌也有，聽起來非常刺耳，如果不是有預期會聽到怪音，真的會嚇一跳。

在美國這裡，沒有注意到有人討論過這個問題，所以也不清楚SONY會不會有類似台灣的唱片行那種單片更換的貼心服務。不過我還不太擔心，反正只要跟amazon.com要求換貨，就可以收到新的一套。雖然新的一套可能還是有類似的問題，不過也可能沒有。

倒是我有一個念頭，應該把所有80片CD，從第一張聽到第80張，看看還沒有其他類似的故障情形。也看看有沒有其他的故障（像封面與內容不合，印刷曲目與撥放曲目不同等等怪問題，我都遇過）。

從昨天第一張1955的郭德堡開始，我已經進行到第15張的史特勞斯了。還有六十幾張。嘿，顧爾德可真是多才多藝的音樂家呢，而且剛出道的錄音就已經充滿 極高的音樂性，也勇於演奏現代曲目，會彈管風琴，還有替史特勞斯的音樂搭配詩人吟詩伴奏的錄音專輯Enoch Arden。

真懷念那個年代的古典音樂製作的膽識與品質。

[11/08/2007]

SONY BMG顧爾德大全集 報告一

趁著幾天前amazon.com打折的機會，終於狠下心把加拿大鋼琴家顧爾德(Glenn Gould, 1932-1982)這套大全集給買下來。前天就寄到家裡了。不得不讓人佩服他們的效率，儘管是半價促銷，免運費，服務品質一點也沒有打折。算一算，其實 還真是的不錯的deal。好處多多：

首先，80張CD，109美元，平均一張大約一塊多，算是非常的划算的。還有精美的硬殼收藏盒，以及（據說）罕見的bonus影片，雖然我對那興趣不大。 此外，更經濟的一點是，以後就不需要去一張一張慢慢收集他的錄音了。畢竟我之前都沒有把他的錄音當作主要收藏對象，偶爾看到便宜的二手CD會買下，所以大 概就只有郭德堡，巴哈觸技曲，英國組曲，莫札特奏鳴曲，貝多芬半套的奏鳴曲，一些華格納還有一些零散的，像是薩爾斯堡的實況等等，不多。有機會一次買齊， 還是有效率得多。甚至可以考慮把手上的重複錄音給賣掉呢。

另外的好處是，這些唱片都是用原來的黑膠LP唱片的原始封面發行（所以叫做什麼Original Jacket Collection，相關的系列已經很多，我自己有Horowitzc那套，還有Szell指揮的貝多芬那套）。不只是封面，連裡面的內容，曲目順序， 也都是「依古法配置」，所以會看到現在幾乎看不到的奇怪曲目，像，有一張就只有收錄貝多芬第四號鋼協，另外有單張收錄第三號。天阿，現在的發行鐵定是把這 兩首塞進同一張。不過這些LP的封面是真的非常漂亮，設計精美。像第十四張收錄莫札特與Schoenberg的鋼協，封面上就有兩張照片，左邊是歐洲古典 的教堂圖畫，右邊是1920年代的現代主義畫風的教堂，饒富趣味的對比（封面如下圖）。最近唱片都流行大頭照，或是美女沙龍照（最近發現的例子是 Janine Jansen 2004年在DECCA那張「四季」），養眼歸養眼，就是覺得味道不對。這種設計的最大缺陷是後面的字太小了。以前的LP把解說印在封面後面，因為LP面 積大，印很多字上去，字體還不會太小。現在把它濃縮成CD的尺寸，連字也跟著縮小，真是得拿放大鏡才看得到呢。有一些解說似乎是GG自己寫的，很好奇。如 果唱片公司能夠把這幾十張唱片解說也放大或是重新編排在解說冊，就更好了，或是另外附一張光碟，裡頭有PDF檔，也會很棒。可惜這套唱片附的精裝解說書， 中看不中用。

還有，這些唱片的編號順序也是按照當初GG發片的順序，所以阿，當你按照順序聽下去，就可以按照時間順序去欣賞他的演奏風格與藝術的成長與演變呢。以前 SONY那種照曲目收錄音樂的發行方式，例如莫札特鋼琴奏鳴曲，其實是跨越相當長時間的製作，就聽不出時間與年紀對表演的影響。既然他的郭德堡，從 1955到1980有如此大的轉變，或許他的莫札特，從1958開始錄的K.330到1975錄的K.457，會有什麼不一樣呢。以前我只知道，他灌錄莫 札特奏鳴曲，是為了顛覆傳統而刻意強調不同的演奏樣式，但是，橫跨20年的錄音時期，有沒有可能其實這樣的轉變是漸進的呢？

現在在amazon.com的價錢又回到199，台灣似乎5400就買得到，還是比美國買便宜不少。

對了，這套並不是GG的大全集，嚴格說起來應該是GG在哥倫比亞唱片公司的大全集，哥倫比亞後來變成SONY Classical，現在又變成SONY BMG了。所以，GG還是有許多錄音沒有收錄在其中，像是若干在CBC或是M&A等小廠的，有待慢慢在二手唱片市場東挑西揀了。

[11/08/2007]

讓妮可萊耶娃(T. Nikolayeva)傷透腦筋的貝多芬「漢馬克拉維亞」

妮可萊耶娃(Tatiana Nikolayeva, 1924－1993)是俄國頂尖鋼琴家之一，與李希特還有吉列爾斯都算是同一時期叱吒風雲的俄羅斯傳奇。蕭士塔高維契驚人的24首前奏曲與賦格(Op. 87)就是提獻給她，而她也儼然成為這套曲目的最權威代言人，至少曾經灌錄兩次全集錄音（早期的Melodiya，以及Hyperion數位錄音）。有人 特別欣賞她的巴哈。她更於1983年在莫斯科舉行馬拉松式的貝多芬鋼琴奏鳴曲全集的演奏與實況錄音，最早在西方國家由英國的Olympia發行 (1994)，絕版多時。

最近才又出現新的包裝重新發行(Scribendum, 2003)，定價頗高。

前一回我在eBay購買了這套實況錄音，但是拿到手之後卻是很怪的一項製作。首先，它不是由Olympia發行的，雖然整個系列的封面設計非常像，都是以 油畫為封面主題。此外，它用了 11張CD的容量，雖然除了奏鳴曲之外，還有幾首變奏曲，可是比起一般看到的9張CD的製作，還是有顯著的不同。仔細看，才知道這是南韓的唱片公司拿到代 理之後所發行的，由SKC負責壓片，版權取自俄羅斯的LADD公司。內頁解說尚稱良好，除了有鋼琴家生平簡介之外，還附有Julian Haylock撰寫的曲目說明。儘管如此，我還是對這套CD有些存疑，因為錄音品質與演奏的內容免不了讓人懷疑，這真的是傳說中的那位鋼琴大師嗎？

一般說來，錄音的品質不甚理想，鋼琴音色有一些刺耳，偏亮，不知道跟韓國壓片有無關聯。觀眾的咳嗽聲算是相當克制的，不過有些曲子演完之後的掌聲也是頗為「節制」。演奏而言，由於一直沒有那個吸引我全部聽完的吸引力，所以僅就貝多芬的「漢馬克拉維亞」來談談我的感想。

最大的問題或許是錯音。老實說，我並不是那種很挑剔完美技巧的人，對於現場演奏中難免出現的錯音也往往不以為意，不過，這個版本給我的第一印象竟是錯音連 連，「有始有終」。一開始鋼琴「爆衝」的主題出現之後，銜接到過門之前的短短幾個小節，就出現了很明顯的錯音；而第四樂章偉大的賦格曲結束之後，最後一兩 個小節尾奏鋼琴以左右手同時奏出強有力的顫音衝向最後四個強力和絃，以慶祝這個旅程即將到達終點之際，竟也有明顯的錯音。或許念在這是實況演奏錄音，演出 者是女性鋼琴家，而且是六十歲左右的老奶奶了，我們實在不該過於苛責這些演奏上的小瑕疵，但是，它們的存在的確相當程度影響了音樂欣賞的樂趣。

過多的錯音明顯說明了她當晚並沒有能力隨心所欲地表現樂曲的內容，也自然影響到呈顯出的樂曲結構。奏鳴曲式的主題之間與呈示部展開部再現部之間的快慢對比 與情緒變化，不夠明顯，或者甚至在同樣主題表現中，卻有分離的感覺。再以第一樂章來說，第二主題的出現到初步的發展中，顯得平淡無奇，沒有任何對比，而是 以較為閑適的方式表現。展開部結束進入再現部時，爆衝主題的衝擊力道不夠強。第四樂章的賦格也不理想，聲部的獨立性與連續性甚弱，連接至鏡像賦格之間的那 段過門也顯得過於隨性，以致於詭譎的賦格主題以相反順序呈現時，不甚明顯。總體而言，音樂的推進感與緊張感並未能滿足聽者的期待。

要找到每一首都具備高水準的貝多芬鋼琴奏鳴曲全集，非常困難。連要找到一套實況錄音的全集，幾乎更困難。就這點而言，妮可萊耶娃的版本的確是極高的成就。 但是，演奏品質與水準的參差不齊，適所難免。貝多芬這首連李希特都感到吃力的曲子（李希特1976年在倫敦的演奏中，儘管滿場觀眾叫好聲不斷，卻不滿意自 己在賦格曲的表現，於是以完整的第四樂章賦格曲作為當晚音樂會的安可曲。他本人多次表示，這首曲子讓他很頭大，帶給他極大的精神壓力與心理焦慮。），或許 是妮可萊耶娃這套全集中，較不出色的一首。其他首呢？有機會再來談談。

不過，回到最初的問題。有人知道究竟韓國LADD這套全集背後的版權故事嗎？到底是不是和Olympia那套是相同的錄音？說真格的，我寧願不是。

[08/05/2007]

「在靜穆死寂的樂聲中」：馬勒改編的舒伯特「死與少女」

您 可能聽過馬勒(Gustav Mahler)的九大交響曲，也可能聽過大地之歌，也可能聽過許多歌曲，但是您可能不知道馬勒曾經將一些著名的弦樂四重奏曲改編成弦樂團演奏曲。收錄在這 張唱片的就是馬勒改編舒伯特(Franz Schubert)不朽的「死與少女」弦樂四重奏。

想 像一下，當死神在第二樂章奏出連續重音的連環奪命符的時刻，如果能夠有整個小提琴部門來呈現，該多有驚心動魄；又想像一下，當柔弱的少女無助地面對死神的 降臨，您除了欣賞阿瑪迪斯四重奏團第一小提琴手如泣如訴般、甜中帶黏的魔音之外，會不會也想感受一下整個樂團一同吟唱的氣勢呢？馬勒的交響曲好聽，自不在 話下，但是，他能否替舒伯特的名曲增色呢？又，馬勒生前並未出版這些改編曲，是什麼原因呢？這些想像與好奇，讓我對這張唱片期望甚高。

這張唱片除了收錄馬勒改編的「死與少女」(D. 810)之外，唱片一開始更加錄了歌曲「死與少女」(D. 531)，由女高音莫瑞(Ann Murray)擔綱，指揮家泰特(Jeffrey Tate)兼任鋼琴伴奏。我們別忘了，舒伯特自己也是改編的高手，「流浪者」被改編成鋼琴獨奏的流浪者幻想曲，「鱒魚」被改編成鋼琴五重奏。唱片製作的貼 心安排，讓我們在進入重頭戲之前，重新感受一下歌曲「死與少女」的詭譎氣氛，那是一個比冬之旅終曲「搖琴人」還要「死氣沉沉」的曲子，一個年輕充滿未來希 望的少女，不希望這麼早看到死神來找她，不過，她已經喪失了和死神對抗或是對奕的力氣，在靜穆死寂的樂聲中，死亡奪走了她的生命。那種寂靜，既代表著生命 的終結，代表著死亡的開始，更代表著死亡的解脫所帶來的幸福感。

Death and the Maiden

"Pass by! oh, pass by,
go, you savage skeleton!
I am still young, go, my dear,
and do not touch me."

"Give me your hand, you fair and tender creature:
I am a friend and do not come to punish.
Be of good cheer! I am not savage,
gently you will sleep in my arms."

改編之後聽起來如何呢？我個人還是偏好原來的四重奏版。雖然說樂團聽起來氣勢更足，強弱的對比可以做的更明顯，層次更多，但是，靈活度終究比不上四重奏 團，音色的瞬間變化也是四重奏團來得多采多姿。但是，還是頗值得一聽。第二樂章的第三變奏，曲調變得激昂，改編版更能突顯強弱對比；第四變奏，全部加了弱 音器，同第二變奏，但是小提琴的不安感減緩，音樂變得祥和；第五變奏，moment of truth，小提琴聲聲催促，樂團從弱音到強音，表現出來的氣勢顯然勝過四重奏團。

以下文字譯寫自唱片解說(EMI CDC 747354-2)，原作者為兩位馬勒權威學者本人：David Matthews & Donald Mitchell。

[手稿故事]
1894年馬勒擔任漢堡歌劇院首席指揮期間，曾將此曲改編成弦樂團演奏版，其總譜在他去世多年之後由女兒安娜提供給馬勒權威學者大衛馬修(David Matthews)與唐諾密契爾(Donald Mitchell)做研究，於1984年正式出版面世。馬勒的女兒發現，交給，出版於1984年，本版本是首演者，錄於1985年。

馬勒改編舒伯特四重奏的來源是一冊由萊比錫一家出版社出版的舒伯特「弦樂四重奏集」。馬勒過世之後，他的女兒安娜在整理父親遺物時，注意到這份樂譜裡頭包 含了馬勒本人的鉛筆註記以及其他記號，於是將這份樂譜交給唐諾密契爾。兩位學者仔細研究之後證實，這些記號都是用來將這些弦樂四重奏曲改編成弦樂團演奏之 用的指示，甚至，這首d小調四重奏的改編指示已經是接近完成的改編曲了。

兩位學者也發現，改編曲的第二樂章曾經演出過，因為樂譜上註記著馬勒在彩排時所習慣使用的藍色鉛筆記號，而且會出現在馬勒用來指揮演出的譜上才會出現的一 些實體記號。馬勒當初從漢堡的音樂商處購得這些樂譜，之後，也只有在漢堡進行過唯一一次公演，日期是一八九四年十一月十九號。據說公演結果遭致聽眾與樂評 家的惡評，他們認為馬勒的改編曲剝奪了舒伯特的不朽音樂中渾然天成的親密觸感。或許是因為得到的多是負面的迴響，馬勒遂打消了將整齣改編曲公演的念頭。兩 位學者隻所以認定馬勒有將全曲公演的念頭，也是從樂譜上面的註記而推論的，因為馬勒除了將整首曲子的改編方式都清楚寫明之外，他的特殊記號方式也表示他心 中預期將會有排演第一樂章，第三樂章，與第四樂章所專用的記號。

儘管馬勒打消了改編舒伯特的念頭，他卻沒有打消改編弦樂四重奏的計畫。事實上，大約四年之後，也就是1899年左右，他完成了貝多芬f小調弦樂四重奏 (Op. 95 Serioso)的改編工作，並且公開演出全曲。這項改編曲或許是他最負盛名也最惡名昭彰的成品，在保守的音樂之都維也納掀起喧然大波。

兩位學者也根據馬勒本人有關改編作品的看法，根據馬勒的創作風格，推論出馬勒改編這些曲子的可能動機以及可能採取的改編原則。首先，從指揮的立場來看，他 顯然很想要將這些四重奏珍品帶入音樂大廳的舞台，賦予它截然不同的音響效果，讓更多的聽眾能夠有機會聽到。其次，我們也必須認清馬勒本人特有的音樂詮釋與 再創作的才華，這也是他的音樂天賦之一。他的改編曲讓他得以有詮釋（也就是，指揮）這些偉大室內樂作品的機會。第三點，也許是最重要的一點，馬勒顯然相信 舒伯特與貝多芬的聲響效果的潛能受限於樂器編制並沒有得到完全而充分的發揮，必須借整個弦樂團之力，才能得到百分之百的表現。也就是說，這些四重奏仍有有 待開發的面向。

馬勒這首改編曲的主要改編之處在於低音部分的增強，增加音樂的厚度，但是他並不是每個低音都增強，這顯示他並不是機械性地編曲，而是一種仔細創造過程，而且有時甚至表現出革命性的效果。在第二樂章，他刻意給弦樂器加上靜音器；其他不同段落都顯現馬勒匠心獨具的神來之筆。

此外，馬勒偶爾也會增加或是改變音樂的強弱力道(dynamics)，甚至增加一些樂句修辭連結方面的細節。儘管馬勒親手撰寫的註記有多處前後不一致的段 落，兩位學者在編撰的過程中，決定大體上都維持馬勒留下的原樣。馬勒的鉛筆筆跡時常會有不清楚的狀況，兩位學者因此也不得不自行判斷。這些狀況幾乎都是發 生在特定的情況，也就是馬勒的修改記號只註記什麼時候開始，卻沒有標示什麼時候結束。此時，他們就必須自行決定該什麼時候結束，然而，這些決定都經過仔細 參酌馬勒在其他類似的段落方面所做的處理。例如，如果再現部的部分他忘了標記修改的結束點，他們就會替他補上。

首度完整的公演於一九八四年五月六日在紐約的卡奈基音樂廳舉行，由阿茲蒙(Moshe Atzmon)指揮美國交響樂團(American Symphony Orchestra)演出。英國的首度公演則是由本唱片的原班人馬，指揮家泰特(Jeffrey Tate)指揮英國室內樂團(English Chamber Orchestra)於一九八五年六月三十日在倫敦的Barbican舉行。本唱片錄製於一九八五年的五月一號與三號，以及十月四號，錄音場地為倫敦市北 邊的
聖巴納巴斯教堂(St. Barnabas Church)。值得一提的是，當初委託這兩位學者進行謄寫馬勒改編版本工作的，是來自紐約的卡普蘭(Gilbert M. Kaplan)先生，他也正是那位以業餘音樂愛好者的身分指揮馬勒第二號交響曲的知名人士，除了最早在Connifer的那張唱片之外，前幾年還幫DG灌 錄一張唱片。

年輕指揮新秀威瑟莫斯特(Welser-Most)指揮薩爾茲堡莫札特音樂院管弦樂團(Camerata Academica Salzburg)的版本(EMI)，也是頗受肯定的好版本。

[03/17/2007]

朱里尼與史卡拉愛樂的貝多芬

指揮大師朱里尼(Carlo Maria Giulini)在1990年代灌錄了八首貝多芬的交響曲（第九號合唱成為遺珠之憾），由SONY Classical發行。這個版本既讓人期待，也讓人好奇。畢竟，這應該算是大師這輩子最接近全集的錄音吧，因此自然是值得期待的版本。儘管如此，這套版 本卻似乎始終得不到很多的關注。或許是因為朱里尼合作的對象並不是諸如柏林愛樂、維也納愛樂、乃至於芝加哥交響樂團等傳統的知名樂團，而是一個年輕、但默 默無名的小樂團，史卡拉愛樂。這樣的合作，是基於什麼樣的考量嗎？演出成果如何呢？或許可以從這張收錄了第一號與第七號的唱片中一探究竟。

朱 里尼曾經灌錄多張優秀的貝多芬交響曲，例如八零年代與洛杉磯愛樂合作，由DG公司發行的第三號「英雄」，第五號，第六號「田園」，與第九號「合唱」，至今 仍是收藏家追逐的好貨色。七零年代則是與倫敦交響樂團合作，由EMI公司也發行了多首交響曲（六、七、八、九），更早之前與芝加哥交響樂團也灌錄過。但 是，他似乎從未進行或是完成任何貝多芬全集的錄音計畫，直到九零年代這個錄音計畫。單就這個考量，這套準全集錄音就是值得收藏的對象了。

以朱里尼的資歷，說他想要與世界上任何知名樂團合作灌錄貝多芬全集就可以排得上檔期，應該不為過。但是，他卻選擇回到他的故鄉義大利，回到他熟悉的音樂環 境與六零年代他發跡的米蘭，這卻是值得敬佩的事。雖然說我們已經習慣將「史卡拉」與義大利歌劇連結在一起，對於擅長義大利歌劇的樂團是否能處理好貝多芬， 不無懷疑，但是，義大利樂團的一般水平還是相當高的，在大師的巧手指揮下，或許也能奏出完美的合聲與激昂的活力。

史卡拉愛樂(La Scala Philharmonic Orchestra)與眾所皆知、專職演出歌劇的史卡拉歌劇院樂團並不相同，雖然很多歌劇樂團的成員也同時是史卡拉愛樂的成員（有點類似維也納愛樂與國立 歌劇院樂團的組成）。史卡拉愛樂成員來自米蘭乃至於義大利許多不同樂團的成員，顯著的特色就是團員年紀都很輕，特別是弦樂部門。

那麼這張CD的演奏如何呢？我聆聽多遍之後的最大感想是，好的指揮家，即使按照傳統的演出樣式來發揮，一樣可以琢磨出處處讓人充滿新鮮感與驚喜的音樂。貝 多芬的C大調第一號交響曲，其實應該算是第二號，因為它的完成時間比第二號來得晚，也因此，第一號交響曲中已經透露出許多貝多芬個人在作曲上即將開拓新頁 的端倪。就速度上來看，朱里尼顯然是比不上很多強調古樂演奏形式的版本，例如哈農庫特，或是阿巴多最新的一套錄音。第一樂章與第四樂章，四平八穩地推進主 題的發展與樂曲的律動。第二樂章的行版與第三樂章的小步舞曲，速度恰到好處，順暢流利而不做作。朱里尼的詮釋方式特別著重樂器聲部之間的平衡，所以我們可 以清楚的聽到鼓聲，大提琴，中提琴加入合奏的行列。至於第七號交響曲，偏慢的速度的確一開始讓人不太習慣，特別是我們已經被克萊伯那種大醉狂喜的酒神風格 所寵壞之後，尤其是第四樂章。但是撇開激情不足不談，第二樂章稍快板的弦樂部份，綿密與精緻的程度讓人愛不釋手，直透人心，卻又不會過於沉溺在其中。

讓人吃驚的是，這種聲部的清晰通透效果，並不是錄音工程師在電腦上「修飾」出來的。CD解說中提到，朱里尼非常厭惡這種修飾，他堅信，讓音樂的不同聲部維 持平衡，是指揮家的工作，不是工程師的工作。所以他和樂團成員每次錄完一個段落之後，都會回到視聽室仔細聆聽錄下的版本有何需要改善的部分，然後繼續重新 演奏錄製。當然，SONY的錄音技術在這張CD發揮得相當好，充分實現了大師的錄音理念，讓我們聽到如臨現場的身歷聲和諧感。

朱里尼的堅持真是真知灼見，讓人由衷敬佩。這種工作的態度也反映在樂曲的鋪陳中，我們可以聽到一個長者敞開胸懷、以最誠摯的態度在述說一段段的故事。這種 聆聽音樂的感動，截然不同於那種花了很多時間解釋節拍器速度應該要多少，或是18世紀的快板跟20世紀的快板有什麼差別等等的理論背景之後，而做出來的音 樂所得到的啟發。

聆聽古樂演奏樣式的錄音，我們猶如上了一堂課般的啟發，「阿，原來貝多芬那個時代是這樣子演奏阿」。但是我相信，這種啟發永遠也抹去不了上一代的指揮大師，福特萬格勒、貝姆、克萊伯、以及朱里尼等人所代給我們強烈感動。

這張CD讓我下定決心要把這個版本蒐齊。也推薦給大家。

貝多芬交響曲第一號與第七號
朱里尼(Carlo Maria Giulini)指揮史卡拉愛樂管絃樂團(La Scala Philharmonic Orchestra)
錄音：Teatro Abanella, Milano, Italy. 1991
SONY Classical SK 48236 (1992)

[01/02/2007]

艾瑪德(Pierre-Laurent Aimard)與哈農庫特(Nikolaus Harnoncourt)合作的貝多芬鋼琴協奏曲

又 收了一套貝多芬的鋼琴協奏曲全集。算一算，我已經收藏了相當數量的全集錄音了，波里尼/阿巴多(DG)，拉羅佳/夏伊(DECCA)，塞爾金/小澤征爾 (TELARC)，齊瑪曼/伯恩斯坦(DG)，肯普夫的兩套DG錄音，帕年卡，布蘭德爾/李汶(PHILIPS)，巴倫波音/克廉貝勒(EMI)等等。由 於我本身很喜歡貝多芬的鋼協，所以多多益善。我不喜歡區分什麼叫做最權威的版本，只要對我的口味的，只要我能聽出一些好的特質，都是值得收藏的好東西。那 麼這套錄音有何特色呢？

這 套錄音發行於2003年，當時在古典樂壇也算是大家關注的焦點。一方面是指揮家的緣故。專精古樂時期演奏風格的指揮家哈農庫特在90年代末期推出的一套貝 多芬交響曲全集，相當受到各界的好評，因為他有那個本事能夠將大家已經聽到耳熟能詳甚至聽爛的曲目，賦予新奇的詮釋手法，保持樂曲的新鮮感。比起諾寧頓的 古樂風格，哈農庫特的版本又有所不同。除了特有的明快節奏之外，在某些樂句的表現上常常會多帶有一些溫暖浪漫的氣質，那是大多數的古樂樂團版本所欠缺的。 也因此，當哈農庫特推出貝多芬鋼協全集時，頗受矚目。

另外一個原因，自然是鋼琴家了。法國鋼琴家艾瑪德(Pierre-Laurent Aimard)並不是每個愛樂者都熟悉的鋼琴家。我從未聽過他的錄音，儘管不時接觸到有關他的演出或是錄音的評論。一般認為他特別擅長20世紀的現代音 樂，對於古典時期的曲目，著墨不多。因此，當我看到這個錄音時，心理頭還是多少會納悶，哈老怎麼找個這個傢伙來合作。有這樣子疑問的當然不只是我，也不只 是眾多愛樂者。連鋼琴家本人都沒有想到過哈老會找他合作貝多芬的曲子。據說哈農庫特有一回聽到艾瑪德的音樂會之後，就有了找他合作的念頭。

在唱片的解說內頁中，艾瑪德坦率地談到雙方剛開始接洽時候的心態轉折。首先，他作夢也沒想過他竟然要灌錄貝多芬的鋼協，對專攻現代音樂的他來說，這些算是 古董級的作品了，喜歡的人多，彈的人多，久而久之，有一種約定成俗的演奏樣式似乎也慢慢僵化在鋼琴家與聽眾的認知。例如，降E大調的「皇帝」就非得表現出 鋼琴家以一擋百的恢弘氣勢不可，這種強調對抗的刻板印象，充斥著許多錄音版本中。艾瑪德本人倒是頗不喜歡這種俗氣的感覺。幸運的是，合作的哈農庫特在這方 面與他的理念頗為一致，哈老特別著重回歸樂譜與樂曲本身，甩開傳統演奏風格的包袱，一個小節一個小節地摸索貝多芬的創作原意，以便忠實地傳達樂曲的精神。 而哈老也贊同艾瑪德對於貝多芬鋼協的基本觀點：既然是協奏曲，就應該是協同演奏之意，比較像是協奏交響曲（布拉姆斯？），而不是戰鬥曲。就這樣，兩個人似 乎一拍既合似地基於相同的理念來全是，他們在演奏的過程中，特別著重於傳達出鋼琴與樂團的水乳交融和諧氣氛。

TELDEC的錄音相當稱職地反映出音樂家的詮釋理念，各種樂器的音色與音量相當均衡溫暖。鋼琴的音像聽起來沒有一般錄音那樣巨大（例如塞爾金的 Telarc版），感覺就像是樂團的一個部分。且聽第四號協奏曲第一樂章的第二主題部分，鋼琴從小提琴那裡接過這個主題之後的發展，我們聽到的是一種和諧 的音色，鋼琴的左右聲部，弦樂聲部，管樂器聲部，交織在一起。又請聽皇帝協奏曲的第一樂章展開部後段，鋼琴右手激昂的分解和絃與管弦樂總奏的配合，聽起來 完全沒有吉列爾斯那種劍拔孥張的戰鬥氣勢，別有一番不同的風味。

但是，這也不表示他們的演奏有「軟弱無力」之嫌，哈農庫特指揮的歐洲室內樂團在演出皇帝協奏曲第一樂章的恢弘氣勢之際，一點也不輸給規模更大的交響樂團。 他們在處理第三樂章輪旋曲，反而在靈活度與力度上更顯輕盈而果斷。整體演奏速度而言，他們的演奏算是偏慢的。慢板的樂章中，儘管沒有濃烈情感激昂的盡情抒 發，但是在和緩恬靜的氣氛之下，往往也是柔情似水。

還沒有機會仔細聽前三首鋼協，至少以第四首與第五首而言，這個版本是一個自成一家之言的優異版本。有興趣的話，還可以找原班人馬灌錄的「合唱幻想曲」來聽聽。

本套全集由TELDEC製作，發行於2003年。編號為0927-47334-2。

[12/21/2006]

愛、罪、與信仰：耐人尋味的「托斯卡」

最 近喜歡上聽歌劇。以前聽的比較少，也沒有什麼特別的原因，大概是因為歌劇都是成套，時間比較長，價格比較貴，而且必須得花比較多的時間去熟悉劇情歌詞。付 出這些時間當然常常是很有收穫的，例如卡門，還有魔笛，這兩齣算是我最熟悉的歌劇吧，而且屢屢能夠享受莫大的樂趣。但是除了這兩齣之外，似乎就忽略了其他 的好東西。最近倒是因為盲人男高音波契利(Andrea Bocelli)的緣故而聽了一些。先是普契尼的托斯卡(Tosca)，以及韋伯的魔彈射手。

托 斯卡吸引我的地方，先是那首耳熟能詳的「今夜星光燦爛」，不過，儘管聽三大男高音唱過很多遍了，卻只是熟悉那個旋律，而不知道背後的故事。最近拿到梅塔在 DECCA最近的錄音，由波契利演唱的版本，聽到第三幕的時候，突然之間被吸引了。當然除了波契利的唱功還不錯之外，普契尼的作曲更是讓我吃驚。他花了很 多的時間在鋪陳劇情，從獄卒到牢房宣告Mario Cavaradossi的死期已近，到他寫信但是卻泣不成聲，但最後唱出的那「今夜星光燦爛」，感嘆生命的即將終止，以及不再能夠享受對托斯卡的愛。知道 他在唱什麼，更能欣賞這首名曲。普契尼用簡單的配樂器，弦樂部份，安靜的奏出與營造氣氛。而在托斯卡刺殺壞蛋的場景也是一樣，寧靜之中，突然出其不意的刺 殺，還有之後她善後處理屍體的過門。不知道普契尼為什麼要花功夫交代這部分的過門細節。

就這樣我開始喜歡上這齣，讀了歌詞，其實很有趣的故事，對話也很有趣。一開始提到托斯卡的時候就說他是一個忌妒心比較強的女人，之後兩個人再拌嘴的樣子也 很詼諧。劇中還有劇中劇，安排女高音托斯卡跟唱詩班合唱。還有很多宗教信仰禱告的場景，也有一些推理（從麵包被吃光了，推論裡頭藏了逃犯），更有肉體虐待 囚犯，精神虐待托斯卡，讓她左右為難的情景，與托斯卡不堪壞蛋的進逼而在耶穌像面前持刀殺人的劇情，烏龍的假死刑，自殺等等，充滿了各種讓人激動的戲劇元 素。愛情，忌妒，猜忌，慾望，忠誠，犧牲，血光，信仰，詼諧。難道這就是那個時代受大眾歡迎的歌劇都必備的戲劇性條件嗎？或者，這是首部帶著濃烈的戲劇性 懸疑效果的歌劇？不看到最後，不會知道故事是怎麼結束的，而第三幕重逢的小倆口花了很多心力在交代以後遠走他鄉的好日子，在在都替最後的劇情轉折作準備。 短短的不到兩個小時可以在舞台上交代這麼多故事，的確不是件易事。梅塔認為故事發展非常的迅速，就像在觀賞希區考克的電影一樣，充滿各種懸疑以及戲劇性高 潮。難怪最初接受委託的作曲家會上當，誤信這套劇本不適合改編成歌劇，而放棄故事版權（這是出版商的詭計，因為當他們知道普契尼有興趣之後，就想盡辦法要 把委託權交給他）。不過，普契尼也真的完成了不可能的任務，譜出了極為動聽的樂曲，容易跟，氣氛也不錯。下次有機會要去找影像來看看。

另外一個有趣的現象就是宗教的元素，第一幕的故事發生在教堂，托斯卡是個虔誠的信徒，當時的歌劇名伶，領唱讚頌聖母的音樂會。禱告的場景出現多次，十字架 甚至出現在場景中，音樂中也不時出現莊嚴的宗教和絃。但是，前面說的這多樁罪行，謀殺，虐待，妒忌，渴望等等，竟然都是在宗教的背景之下一一浮現的。這種 強烈的對比，似乎預告了半個多世紀之後，同樣是流著義大利血液的柯波拉的「教父」所採用的暴力美學。信仰與暴力，就這樣同時存在。難道這就是天主教眼中的 世界嗎？

波契利嚴格說起來不能算是歌劇男高音，除了因為他的視障使他無法在歌劇舞台上走位對戲之外，他的音量比較弱小也是原因之一。幸好錄音室的工作環境以及數位 的混音技術可以彌補這個問題。他之所以有眾多歌迷，也是因為他的音色有一種明亮，清澈的感覺，聽起來相當舒服悅耳。演唱那個理想主義者 Cavaradossi，還算勝任。這個充滿愛國理想，民主革命精神，追求藝術追求美的畫家，可真是個讓人噴飯的人物。他顯然深愛托斯卡，但是他還有更高 的信仰，那是對國家前途，對正義感的信仰。那樣的信仰使得他能夠當忍受身體折磨堅決不招供，也是當他獲悉托斯卡竟然把政治逃犯的藏身之地告訴惡棍之後，感 到不齒與氣憤，絲毫沒有憐惜她所承受的心理折磨。甚至當托斯卡感到愧疚時，傳來政治的好消息，他竟然還雀躍不已，氣得她說「可憐可憐我吧」。這段三重奏的 對白很有趣。

Tosca這個角色的確不簡單，對女高音的唱功是很大的挑戰。第一幕她一進場之後，從懷疑Cavaradossi可能出軌的猜忌，到接受他的說法，期待晚 上的約會的渴望，對男友一值催促她離開的懷疑，耍賴的內咎，發現假想情敵的怒火，合好的愛意，以及就算是合好之後，仍不忘要求畫家男友把情敵的藍眼珠改成 黑眼珠的心機。真是善變女人心阿！第二幕則要表現出內心受到折磨的掙扎，出於保護愛人的動機，以及尊重愛人的信念的動機。在惡棍利用權勢要脅虐待的情況 下，仍舊能夠不喪失理智，找好退路之後，將惡人一刀斃命。殺人之後，她仍冷靜地拿走該拿的東西，將十字架擺在惡棍身上。演唱Tosca的是年輕的 Fiorenza Cedolins，音色不錯，戲劇性可能應該再更強烈一點會更適合Tosca這個角色，情感豐富，善忌妒，強烈直接，是那種會讓男生吃足苦頭的強悍女生。 或許卡拉絲的版本會是決定版吧。

惡棍之所以是惡棍，顯然古今中外皆然，Scarpia就是最典型的例子，藉著自己職位之便（地方警長），遂行自己的私慾，他不僅想要佔有托斯卡，更想利用 刑求Cavaradossi的方式來威脅托斯卡做出愧對良心的事。最後更為了侵犯她，假裝答應她的要求。第二幕終於死在托斯卡刀下，真是大快人心。

梅塔的指揮還不錯，細膩，樂團的整體音量比較小。這套版本整體而言，或許感情不夠濃烈，過於輕淡，但是還算值得一聽。

下次再來寫寫魔彈射手。

[10/21/2006]

「蕭邦夜曲的繽紛印象」盧西耶的爵士鋼琴佳作

最 近一兩個禮拜，車上始終播放著賈克盧西耶(Jacques Loussier)一張名為「蕭邦夜曲的繽紛印象」(Impressions on Chopin's Nocturnes)的鋼琴獨奏曲(TELARC)。蕭邦讓人銷魂心碎的夜曲，竟然在盧西耶的巧手編曲之下，更顯得繽紛多樣。讓人印象深刻。

盧 西耶算是頗有名氣的鋼琴家，但是他也不算是正規的古典鋼琴演奏家，而應該是爵士鋼琴家。他最擅長的似乎是將古典音樂中豐富的旋律寶庫擷取出來，透過爵士的 演奏風格，賦予新的生命。1985年的那張「演奏巴哈精選」(The Best of Play Bach)，當時算是風行一時的唱片。在他手下，不管是d小調的觸技曲與賦格，平均律，聖詠前奏曲，或是義大利協奏曲，無一不是饒富趣味，讓熟悉巴哈的愛 樂者會心莞爾。走紅之後，他繼續將這種曲風延伸到其他曲目，似乎不管是韋瓦第的四季，巴哈的郭德堡變奏曲，甚至貝多芬的交響曲都在他的改編範圍之內。至於 這張蕭邦的夜曲，似乎是這路曲風之下，唯一一張是鋼琴獨奏的編曲，其他都是以三重奏的方式進行，除了鋼琴之外，還有低音大提琴(bass)以及。

不過，我並沒有仔細追隨他的這些專輯，多多少少是對於這種融合爵士與古典的改編曲風的保留態度吧。總覺得，改編的效果是否成功，應該有一定的限度，有些曲 子適合，但是有些可能就會有些牽強。爵士音樂的進行通常會根據一段眾人耳熟能詳的旋律開始，接著就是由參與演出的樂手個別或是配對或是一同加以變奏，而在 音樂神遊太虛之際，最初那個主旋律常常又會驟然出現，提醒聽眾這才是種種變奏的原型，也讓聽眾讚嘆與欣賞樂手變奏的優劣巧妙何在。這種主題與變奏之間的關 係，表現在爵士樂的風格之上，又會融入更多不同的風格，包括和聲，節奏等等。

盧西耶在演奏巴哈的改編方式，基本上比較是中規中矩的，主題多半得到完整的呈現，甚至在平均律第一首前奏曲中，完整地出現，而再加上兩大段變奏。爵士的外皮底下依舊是濃濃的古典巴哈內涵。

但是，這張蕭邦夜曲專輯卻更為徹底地將這些夜曲翻了好幾翻，演繹出讓人驚歎的新意。盧西耶不再拘泥於原曲的架構、段落，也不再嚴守將主旋律先清楚呈現的演 出風格。很多時候，我們聽到的幾乎是一首全新的曲子，只不過在其中穿插一些蕭邦夜曲的主題片段而已。例如第十五軌，在頑固低音似的節奏聲中，右手奏出附點 的切分音主題，我已經完全想不起來蕭邦的原曲是何風貌了。而蕭邦筆下纖細地有些變態的e小調，卻被盧西耶配上比較輕快的節奏，憂鬱悲傷的氣氛消失了，取而 代之的是小調風格的小品。我對於爵士的不同風格並不熟悉，但是我聽得出來盧西耶企圖透過不同的夜曲的主題與氣氛，展現出爵士音樂的多樣面貌，有些在節奏上 面發揮，有些在抒情層面發揮（例如第十八軌）。曲子的結構也完全被瓦解了。蕭邦的夜曲多半是三段曲式，中段部分有時候有比較激昂的情緒展現，但是盧西耶的 改編卻常常省略中斷的發展，或是很快的帶過。

這張專輯的名稱是「蕭邦夜曲的繽紛印象」(Impressions on Chopin's Nocturnes)，而不是蕭邦的夜曲，或許盧西耶也是要強調，這張專輯的音樂已經超脫蕭邦的範疇，甚至在古典與爵士的跨界融合上，大幅傾向著著爵士的面向。

聆聽這張專輯的確是一個非常愉悅的經驗。TELARC用近距離的方式錄音，把鋼琴聲收錄的很圓潤飽滿，共鳴豐富，亮麗的音色似乎像是出自貝森朵夫(Boesendorfer)名琴。

[10/11/2006]

不可錯過的精緻演出：凱瑟琳柯拉德(Catherine Collard)彈奏海頓鋼琴奏鳴曲

海 頓爺爺對莫札特還有貝多芬的影響深遠，自不在話下，單是數目超過百首的交響曲，就足以對兩位後輩帶來莫大的壓力，更別提數目同樣驚人的鋼琴奏鳴曲以及弦樂 四重奏。大概只有莫札特的鋼琴協奏曲在數量上青出於藍更勝於藍。但是呢，海頓的鋼琴奏鳴曲，卻似乎始終沒有受到應有的注意。即使我們重質不重量，我的認識 是，海頓最出色的多首鋼琴奏鳴曲，可能甚至比莫札特的同類型作品來得更精彩，反覆聆聽之餘，甚至會讓人以為是貝多芬早期的鋼琴奏鳴曲，或是中期一些袖珍可 愛奏鳴曲（例如22號和24號）。

大 多數鋼琴家頂多挑個幾首來演奏，展現一下自己的演出曲目的廣度。就筆者所知，鋼琴大師裡頭，布蘭德爾(Alfred Brendel)在1980年代替PHILIPS灌錄了四張十一首海頓奏鳴曲，至今仍是著名的版本（可惜我僅僅聽過一張）。此外，就屬李希特 (Sviatoslav Richter)的功夫下的最深了。李希特在「筆記與對話錄」中明白提及他對海頓的喜愛程度(p. 174, p. 257)，甚至不亞於莫札特。而海頓的奏鳴曲，也持續出現在他的演出曲目中。他總共演出過十九首，其中，降E大調第62號(Hob.XVI:52)，從 1946年開始，總共演出了103次，算是次數最多的一首；其次是C大調第58號(Hob.XVI:48)，從1966年開始，總共55次。李希特在 DECCA灌錄的兩張奏鳴曲集，是一窺李希特權威演奏的最佳選擇。

一九九三年英年早逝的法國女鋼琴家凱瑟琳柯拉德(Catherine Collard)在LYRINX所灌錄的三張海頓鋼琴奏鳴曲集，則是另外一個喜歡海頓的愛樂者都務必要收藏的珍品。三張唱片分別灌錄於1989年(LYR 082)，1991年(LYR 108)，與1993年(LYR 126)，1999年唱片公司集結成套便於收藏(LYR 193/3)，總共收錄了12首最著名的奏鳴曲。她的演奏帶有法國鋼琴家那種自然、精緻、與典雅，即使在慢板的樂章，她似乎也具有李希特那種維持樂曲張力 的特殊能力，藉著順暢的長樂句，將音樂結構抓在一起（例如第31號的第二樂章，長達13分鐘）。她的觸鍵敏銳，力道多變，仔細聽，會發現即使在簡單的分解 和絃甚至切分音，她都可以彈出不同的觸感，細節非常豐富。又例如第五十號(Hob.XVI:37)，第一樂章光輝的快板樂章中，歡娛的主題猶如蹦出石頭的 孫悟空，或是像是成群動物從掙脫鐵籠重獲自由那種渾然天成的喜悅，可見得海頓爺爺創造出生動旋律的能耐，而在嚴守奏鳴曲形式的前提之下，讓樂曲很自然的流 動，動感十足。而在慢板樂章，表現出莫札特所欠缺的那種內省、謐靜的特質。詼諧的輪旋曲樂章，除了主題得到充分的發揮之外，不時有出人意表的音符。

LYRINX是法國的唱片公司，專門發行製作精美、發燒級錄音、精采演奏的古典曲目。目前由Harmonia Mundi負責全球發行的工作。這三張鋼琴錄音也相當優異，史坦威的琴音飽滿圓潤，顆粒清晰，完美捕捉凱瑟琳柯拉德變化多端的觸鍵力道與音色變化，即使用 我的小隨身聽來欣賞，都可以感受到如臨現場般的動人。

[08/31/2006]

德米登科(Demidenko)演奏柴可夫斯基第一號鋼協

柴 可夫斯基的第一號鋼琴協奏曲，算是最受歡迎的鋼琴曲之一吧，即使不是從頭到尾都耳熟能詳，至少樂章一開始那段雄偉的旋律，絕對是過耳不忘。不過，這種通俗 的曲子，多半是偶爾拿出來聽一兩遍，過過癮，之後又擺回架上，等待下一次出頭天。而在眾名家傳奇盤環伺的情況下，真正有幸到唱盤裡玩耍的版本，更是屈指可 數。因為欣賞者很難從新的錄音中得到新鮮感。鋼琴家往往為了不落俗套而想盡各種噱頭。例如Pogorelich在DG的版本，深沉而緩慢，力道十足但是不 會有虛浮之感，算是佳作。另外，也有找出原始版本的（就是被安東魯賓斯坦批評為垃圾之作、不可演奏的那個版本，老柴後來有修正過的版本是目前通行的版本） 嘗試。

俄 國鋼琴家德米登科(Nikolai Demidenko)灌錄的版本，倒是表現出值得一聽的特色。第一樂章開始的序奏部份，是本曲最著名的段落，基本上是由管絃樂前奏、鋼琴接手之後的華麗裝 飾奏、以及管絃樂總奏再現所組成，隨後在安靜的過門之後，由鋼琴奏出快速、不安、卻沒有什麼特色的第一主題（相較於華麗的序奏，任何主題都不免遜色）。第 二樂章採取三段曲式，在長笛甜美旋律的帶領之下，充滿田園風格的第一段，與激昂的中段產生強烈的對比。第三樂章帶有濃烈的俄羅斯曠野風情，鋼琴奏出的輪旋 曲主題充滿無窮的衝進與活力，與隨後出現的主題產生強烈的對比。那個主題和第一樂章序奏的主題頗有異曲同工之妙，到樂章最後，也營造出同樣華麗動聽的高 潮。

這個版本的最大特色之一，就是第一樂章開場這段序奏。以接近快版的速度開始，不同於一般版本刻意放慢速度以強調莊嚴雄偉的感覺。鋼琴的裝飾奏一開始也採取 相同的速度，不過到了中段（類似迷你展開部），德米登科刻意放慢速度，減弱音量，讓快速音符呈現出一種近似恬靜的氣氛。德米登科這種方式除了增強的速度與 力道的對比之外，也讓這個著名的宏偉序奏扮演著類似歌劇序曲的結構作用。因為那段漸慢速與漸弱音量的表現，讓人想起第一樂章稍後的長大裝飾奏，更讓人想起 第二樂章的田園氣氛。因此，德米登科別出心裁的演奏讓這段序奏以簡潔的方式提示接下來整首曲子的精華。德米登科彈奏的第二主題，以比較慢的速度呈現。不 過，寧靜的氣氛很快地就被鋼琴逐漸激昂的琴音給破壞，以驚人的速度與技巧在漸弱的聲中結束呈示部。德米登科充分掌握住鋼琴家展現高超技巧的其他幾個關鍵環 節，儘管速度已經飛快，卻還能在更上一層樓似地加快，像再現部第一主題所發展出來的小高潮，以及第二主題再次引發的高潮。德米登科盡其所能地將每個可能的 對比都發揮得淋漓盡致，是個出色的版本。補白曲目是史克里亞賓(Scriabin)的鋼琴協奏曲。

[08/28/2006]

柴可夫斯基的「天鵝湖」

天 鵝湖最著名的樂段就是雙簧管奏出哀怨、悽冷的主題。但是，聆聽天鵝湖全曲，要等到第一幕的最後一段，當沮喪的王子齊格菲(Siegfried)從生日舞會 中脫身，準備鬼混打獵之際，撇見成群天鵝的曼妙身影時，才驟然傳入聽眾的耳朵。可以想像現在演出時，這個橋段一定是非常具有震撼性的。這種震撼性不同於管 絃樂總奏那種大鳴大放，而是驀然回首，發現珍寶哪種靈動，而心靈觸動的感覺，就由弦樂的急促震音開始，在豎琴波光淋漓的氣氛中，優雅的天鵝在水中現身。

原 來柴可夫斯基也會賣關子。當這段美妙的旋律短暫現身之後，第一幕就結束了。而第二幕一開場，仍舊以那段動人的旋律開始，意味著，情境（夢境？）持續進行 著。而源源不絕的美妙圓舞曲樂段，意味著王子齊格菲除了欣賞整群天鵝的曼妙舞姿之外，也融入她們的歡樂氣氛中，踩著同樣的節奏，跟著迴旋。也在同時，愛上 了天鵝公主奧黛塔(Odette)。奧黛塔對王子吐露真相。奧黛塔和她的朋友們被邪惡的魔法師羅斯巴特(Rothbart)施以魔咒控制，唯有在午夜接近 清晨時分才能暫時恢復人形。除非能獲得年輕男子的真愛，並且在生命受到威脅的情況之下致個人死生於度外，表現出完美的真愛，否則這個魔法永遠無法解除。王 子願意承擔解救公主的使命，邀請她到第二天的選妃舞會，他承諾在舞會終將宣佈取她為妻。

第三幕的情節，有點類似中文寫作「起承轉合」的轉。這裡，原本應該是美麗結局的愛情故事，出現了戲劇性的轉折。對奧黛塔施加魔法的惡徒羅斯巴特 (Rothbart)決心破壞奧黛塔的主意，帶著他的女兒奧黛兒(Odile)，化身成奧黛塔的樣子，艷光四射地出現在舞會會場。只有短暫相處經驗的王子 自然沒有辦法分辨，與她共舞，並宣佈將取奧黛兒為妻。奧黛塔這時才狼狽地從窗戶爬進來，可惜為時已晚。羞愧而絕望的奧黛塔逃回天鵝湖，而懊惱不已的王子齊 格菲緊追在後。這幕有趣的是，跳舞的段落很多，但是都不怎麼很起勁的感覺。六位參與選妃的公主分別跳個一段舞蹈，可是都很平庸，雖然還是圓舞曲的三拍子， 下行旋律的特徵讓人昏昏愈睡，或許是要表現王子的心境吧。當假公主出現時，雙簧管奏出的是變調的天鵝湖主題，可惜王子就是沒聽到不一樣。不過，柴可夫斯基 倒是替王子齊格菲還有假公主奧黛兒準備了許多首跳舞的曲子呢。除了一段長達八分多鐘的變奏曲之外，還寫了四段民族風味的舞曲。最後一幕場景，奧黛塔出現 時，天鵝湖主題再度被扭曲變奏，原本甜美的音樂突然激動起來，顯然大家都慌了。

事情大條了，王子齊格菲要怎樣善後呢？第四幕成為戲劇性的焦點。在天鵝湖等待奧黛塔好消息的天鵝們，紛紛圍在哭喪著臉的奧黛塔身邊，不知道該怎麼辦，因為 根據詛咒，一但愛上她的人變心了，她就得死。切分音的天鵝湖旋律，以及十分陰暗的幼天鵝舞，藉著純真的幼小天鵝的舞步來對比大難臨頭的焦慮不安，低鳴的節 奏聲暗示著眾天鵝命在旦夕。故事最後，王子齊格菲找到公主奧黛塔，依舊對她宣示愛意與忠誠，不過為時已晚，魔法師羅斯巴特施法捲起滔天巨浪，阻礙兩人的相 好，而奧黛塔就這樣跳入滾滾湖水中。齊格菲也緊跟著跳下去。這個舉動破解了魔咒，所有的天鵝都變回少女模樣。此時黎明的曙光冉冉升起，旭日的光輝照映在湖 面上，王子與奧黛塔終於能廝守終身，往幸福的彼岸飛去。這段音樂出現在最後兩個場景，加快速度的天鵝湖主題，掀起一陣陣高潮。

據說，「天鵝湖」的首演非常失敗，除了舞團與編舞不理想之外，樂團指揮甚至私自更動樂譜，借用別的曲子的圓舞曲片段。當然當時的時空背景與觀眾的素養不 夠，團員準備不足，終究是情有可原。然而，或許柴可夫斯基本人也有些策略上的輸呼。我在想，為什麼柴可夫斯基不像歌劇一樣，將全曲中的好聽旋律都擺進前奏 曲呢，就像後來廣受歡迎的「天鵝湖組曲」一樣，從天鵝的旋律開始，這樣子至少第一次接觸全曲的台下聽眾會抱著滿心期待，耐心等候劇情的發展。全曲中的前奏 曲也很動聽，但是總是不夠通俗。

「天鵝湖」全曲，我只聽過史維特拉諾夫(E. Svetlanov)在1988年所灌錄的版本(Melodiya SUCD-10-00403-405)，令人激賞，特別是最後的場景樂段，盡情揮灑的銅管，將俄羅斯的粗曠與劇情的黑暗面充分呈現，不流於煽情，也沒有修 掉太多稜角，是我特別喜歡的地方。

[08/23/2006]

波里尼演奏蕭邦前奏曲

時 隔多年，終於以便宜的價錢購得義大利鋼琴家波里尼(Maurizio Pollini)於1975年所灌錄的名盤，蕭邦的前奏曲作品28 (DG 413796-2)。很多愛樂者對於波里尼的成名經過已經耳熟能詳了。1965年贏得華沙蕭邦鋼琴大賽金牌之後，為了進一步磨練琴藝，消聲匿跡數年，直到 一九七零年代初期，以一系列由DG所發行的鋼琴獨奏曲專輯，廣受古典音樂界好評。這些專輯涵蓋範圍甚廣，從貝多芬的晚期五首鋼琴奏鳴曲，到蕭邦，史特拉汶 斯基的彼得洛希卡，普羅高菲夫的第六號奏鳴曲，舒伯特的流浪者幻想曲，舒曼的交響變奏曲與C大調幻想曲，每一張無不成為多年來愛樂者的收藏珍寶。這其中， 三張蕭邦的鋼琴獨奏專輯更是讓人驚艷。蕭邦的練習曲在他手中就像前奏曲一般精美，波蘭舞曲，還有前奏曲，短短的30多分鐘收錄在一張CD中，高價版。這三 張蕭邦專輯只曾經收錄成盒裝，此外，就我所知，除了波蘭舞曲出現在The Originals系列之外，DG不曾單獨發行過中價版。顯見唱片公司以及愛樂者心中，對於他們的高度評價。

我 早在一九八零年代就購入蕭邦的練習曲，算是我的前幾張CD收藏之一。當然是非常喜歡波里尼的演出，不過呢，卻遲遲沒有跟著購買另外兩張。不見得有什麼偉大 的理由，有時候買CD就是這樣，有些東西你知道是必買品，但是，或許就是因為這種百分之百的篤定感，反而失去了對那張唱片的好奇心，遂不急著現在買，反正 DG這麼大的唱片公司也不可能讓這麼出名的演出絕版，一定找得到。就這樣，前奏曲，還有波蘭舞曲，就擱著。直到最近才終於決定把它們納為己有。這張唱片雖 然印刷都是寫"made in west germany"，但事實上在CD內緣刻著"made in germany by universal M & L"，因為DG成為Universal是最近幾年的事，所以這張CD顯然是最近幾年新壓制的再版。可見得新舊樂迷對這張唱片的需求有多高。

當然，對於這張名盤，不需要多作介紹。如果有看到便宜的價錢，就買下吧，絕對不會後悔的。我的聆聽感覺是，波里尼的演奏很容易親近，沒有比較極端的個人色 彩，每首前奏曲都在完美的技巧支持之下呈現出來，非常具有典範級的身價，不管是初次接觸蕭邦，或是已經是有多年功力的老手，都是不二之選。或許是錄音的關 係，這個時期鋼琴聲音聽起來感覺比較結實，集中，音場沒有像最近的錄音那樣大。這樣子的錄音方式聽起來比較能展現出清楚的音粒與雄渾的節奏，相當過癮。

[08/18/2006]

細膩的貝多芬奏鳴曲：歐康諾(John O'Conor)

愛 爾蘭鋼琴家歐康諾(John O'Conor)成為美國的TELARC唱片公司專屬藝人之後，已經灌錄多張唱片，從貝多芬，舒伯特，與馬克拉斯爵士合作的莫札特協奏曲，到寫作夜曲的先 驅菲爾德(John Field)，算是頗具知名度的鋼琴家吧，不過我一直沒有好好聽聽他的演奏。直到最近購入他的貝多芬鋼琴奏鳴曲全集，才開始仔細品味。這個全集錄音的發片 順序頗為有趣。一般的做法不外乎按照順序從第一號錄到第三十二號（像最近開始著手進行的席夫）。不過歐康諾是從一些有名號的曲子開始，第一集收錄了最著名 的「月光」、「悲愴」、與「熱情」，第二集則是「華德斯坦」、「暴風雨」、與「告別」，第三集則包括了「田園」，以及另外一首陌生名號的第十八號「狩 獵」。接下來就比較是按照成組的作品編號順序，例如最後三首，第二十七到二十九等等，另外一張則是專門收錄比較簡短的奏鳴曲目。從一九八六年開始第一集的 發行，直到一九九四年第九集發行，共費時九年才完成全集的錄音。不管對任何鋼琴家而言，都是一項了不起的成就。

歐康諾曾經於一九七三年在維也納所舉辦之國際貝多芬競賽中，以壓倒性的優勢獲得首獎，成為年紀最輕的得主之一。接下來在貝森朵芬鋼琴競賽中也贏得首獎的殊榮。從此奠定成了享譽國際的鋼琴名家。他演奏貝多芬的功力，顯然早已備受肯定。

聽了幾首之後，最大的感受是他的演奏風格與常見的陽剛風格較為不同。在第七集(TELARC CD-80293)所收錄的一些較為簡短的奏鳴曲中，我們聽到的是相當柔和典雅的貝多芬，觸鍵輕巧。歐康諾的演奏中，我們聽不太到貝多芬慣有的那種猛進亢 奮的推進力道，以及突如其來的強音，也沒有那種讓人精神緊繃的強烈張力。例如在第二十四號奏鳴曲，儘管只有兩個樂章，而且是寫給美麗的泰瑞莎小姐，可是貝 多芬依舊讓鋼琴表現出鮮活的律動與衝勁，不過歐康諾比較強調本曲的抒情面向，反而將那些對比的陽剛性格都減到最低。我聽不太習慣這樣的風格，但是，整體而 言，那種細緻又柔和的演奏樣式依舊很吸引人。

還沒有時間把所有的奏鳴曲都好好聽一遍，以上只是初步的印象。

[03/20/2006]